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Ateliers de Conversation en Anglais avec Lisa Fleury

Tue, 18 Feb 2025 11:49:26 GMT

Ateliers de Conversation en Anglais avec Lisa Fleury

Lisa Fleury, bénévole passionnée, anime les ateliers de conversation en anglais à l’Espace Canopy. Dans cet entretien, elle nous partage son parcours au sein de l’association et les motivations qui l'ont poussée à offrir son temps et ses compétences pour animer ces ateliers destinés à nos seniors.

Voici un entretien que nous avons eu avec Lisa, où elle nous raconte en détail son expérience et son travail avec les participants de ses ateliers.

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Qu’est-ce qui vous a poussé à faire du bénévolat à Espace Canopy et à enseigner l’anglais aux seniors ?

Après avoir participé à de nombreuses sorties et visites d'expositions avec Escap'Art, j'ai reçu un courriel d'Espace Canopy me demandant si des anglophones souhaitaient organiser un atelier de conversation en anglais, parce qu’ il y avait de la demande. Les gens que j'avais rencontrés à l'Espace Canopy étaient si ouverts et gentils, et j'étais très reconnaissant pour les généreuses opportunités d'Escap'Art, j'ai donc décidé de me porter volontaire pour organiser une séance d'anglais. Je voulais aussi mieux connaître des Français. Notre première séance d'atelier de conversation en anglais était tellement amusante et les participants tellement enthousiastes que j'ai eu envie de continuer ! Je reçois tellement de satisfaction d’être avec ce groupe.

Comment avez-vous débuté votre implication dans cette association ?

J'ai lu une annonce de visite avec Escap'Art dans la newsletter d'une autre association partenaire, AAWE. Je venais de prendre ma retraite et j'avais le temps et l'énergie de visiter tous les musées que je n'avais pas pu visiter auparavant.

Comment parvenez-vous à rendre les leçons éducatives tout en les gardant amusantes et engageantes pour les seniors ?

Tout d’abord, tous les participants savent qu’ils peuvent s’exprimer librement lors de l’atelier de conversation anglaise, sans jugement ni critique. Nous accueillons toute personne possédant une connaissance de base de l'anglais et souhaitant participer au groupe. Je recrute également des anglophones, des amis, des collègues et des étudiants pour participer à l'atelier afin que les participants non natifs puissent pratiquer leur anglais avec un anglophone natif en petit groupe. Nous sommes tous ici pour nous amuser ensemble dans un environnement informel et inclusif.

Chaque session a un thème, généralement autour de la culture au sens très large ou un sujet pratique qui a été proposé par les participants. Je fournis du vocabulaire et des outils de base pour la conversation, et nous nous répartissons en groupes ou en paires pour une conversation, un jeu ou une création ludique. Ensuite, nous avons un « show and tell » où chaque groupe présente sa discussion. À la fin de la plupart des séances, nous nous réunissons pour chanter une chanson en anglais.

Avez-vous remarqué des changements positifs dans la confiance des seniors dans leurs capacités grâce à l’apprentissage de l’anglais ?

De nombreuses personnes âgées ont appris l'anglais à l'école où elles ont été notées et évaluées. Elles ont une bonne connaissance de base de l'anglais. L'atelier de conversation anglaise permet à chacun de s’exprimer en anglais dans un espace bienveillant et d'améliorer son vocabulaire et son expression petit à petit sans pression ni stress. J'ai vu les participants apprendre à mieux se connaître et se sentir plus à l'aise pour parler d'eux-mêmes ; leur vie, leurs opinions et leurs préférences. Je pense qu'ils sont tous très courageux et parlent de plus en plus avec aisance.

Comment adaptez-vous vos cours pour répondre aux besoins des seniors qui peuvent avoir des niveaux ou des capacités d'apprentissage différents ?

Il y aura toujours une variété de capacités, de connaissances et de talents dans un groupe. Ce sont de merveilleuses ressources qui enrichissent nos conversations. J'essaie donc de façonner les sessions de manière à ce que le talent et les capacités uniques de chacun contribuent d'une manière ou d'une autre à rendre la session intéressante, utile et amusante pour tout le monde. Mon objectif est que chacun ait l'opportunité de parler et de partager avec le groupe, et qu'il repart de l’atelier avec le sentiment d'avoir appris un nouveau mot ou une nouvelle phrase, chanté une chanson et établi un lien positif avec les autres participants.

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Ces ateliers de conversation en anglais ont donné des outils aux participants améliorant leurs connaissances. De nombreuses études ont montré que l’apprentissage du vocabulaire et des règles de grammaire renforce la mémoire en obligeant le cerveau à retenir et à rappeler régulièrement des informations. Pour les personnes âgées, cela peut se traduire par une amélioration de la mémoire à court et à long terme et par de meilleures compétences en résolution de problèmes.

Ils ont aussi permis aux participants de bénéficier de nouvelles expériences et sorties culturelles afin de renforcer et approfondir ce qu’ils ont appris. Tel des visites guidées en anglais au Centre Pompidou pour voir l'exposition consacrée à Suzanne Valadon, et leur autre exposition sur le Surréalisme. Les ateliers de Lisa sont une source de développement personnel pour les participants réguliers. Elle encourage fortement la venue de nouvelles personnes à découvrir la langue anglaise sous multiples facettes dans un cadre détendu et encourageant.

Ces ateliers incluent également la participation d'étudiants dont la langue maternelle est l’anglais, qui sont en échange en France. Cela offre aux participants l'occasion de mener des conversations fluides et d'apprendre de nouveaux mots du quotidien, plutôt que dans un registre formel ou écrit. Lisa est toujours à la recherche de personnes parlant couramment anglais, prêtes à participer et à aider les participants à améliorer leur anglais. On encourage la venue de plus d’accents, afin de les donner a bit more of a challenge!

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Lisa Fleury, a passionate volunteer, leads English conversation workshops at Espace Canopy. In this interview, she shares with us her journey within the association and the motivations that pushed her to offer her time and skills to lead these workshops for our seniors.

Here is an interview we had with Lisa, where she tells us in detail about her experience and her work with the participants of her workshops.

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What inspired you to start volunteering at Espace Canopy and teach English to seniors?

After several months visiting exhibits with Escap'Art, I received an email from Espace Canopy asking if any anglophones would like to hold an English conversation workshop since there was a demand for it. The people I had met at Espace Canopy were so open and kind, and I was very grateful for the generous Escap'Art opportunities, so I decided to volunteer to hold one English session. I also wanted to get to know a group of French people better. Our first English conversation workshop session was so fun and the participants so enthusiastic that I wanted to continue! I get so much satisfaction out of being with this group.

How did you first get involved with this association?

I read an announcement for a visit with Escap'Art in the newsletter of another partner association, AAWE. I had just retired and had the time and energy to visit all the museums I hadn't been able to while working.

How do you balance making the lessons educational while keeping them fun and engaging for the seniors?

First off, all the participants know that they can express themselves freely in the English Conversation Workshop without judgment or criticism. We welcome anyone who has a basic knowledge of English and is willing to participate in the group. I also recrute native English speakers, friends, colleagues, and students to join in the workshop so the non native speakers can practice their English with a native English speaker. We are all here to have fun together in an informal and inclusive environment.

Each session has a theme, usually around culture in a very broad sense or a practical topic that has been suggested by the participants. I provide some basic vocabulary and tools for conversation, and we break out into groups or pairs for conversation, or a game, or a creation of some sort. Then we have a "show and tell" where each group presents their discussion. At the end of most sessions we join together to sing a song in English.

Have you noticed any positive changes in the seniors’ confidence in their abilities as a result of learning English?

Many seniors learned English in school where they were graded and evaluated. They have a good basic knowledge of English. The English Conversation Workshop allows everyone to practice their spoken English in a non-threatening space and improve their vocabulary and expression little by little without pressure or stress. I have seen the participants get to know each other better and feel more comfortable speaking to each other about themselves; their lives, opinions, and preferences. I think they are all very brave and speak with more and more ease.

How do you tailor your lessons to meet the needs of seniors who might have different learning speeds or abilities?

There will always be a variety of abilities, knowledge, and talent in a group. These are wonderful resources that enrich our conversations. So I try to fashion the sessions so that everyone's unique talent and ability will contribute in some way to making the session interesting, useful, and fun for everyone. My goal is that everyone has the opportunity to speak and share with the group, and leaves class feeling they have learned a new word or phrase, sung a song, and connected to the other participants in a positive way.

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These English conversation workshops gave participants tools to improve their knowledge. Many studies have shown that learning vocabulary and grammar rules strengthens memory by forcing the brain to retain and recall information regularly. For older adults, this can result in improved short- and long-term memory and better problem-solving skills.

They also allowed participants to benefit from new experiences and cultural outings in order to reinforce and deepen what they have learned. Such as guided tours in English at the Center Pompidou to see the exhibition dedicated to Suzanne Valadon, and their other exhibition on Surrealism. Lisa's workshops are a source of personal development for regular participants. It strongly encourages new people to discover the English language in its many facets in a relaxed and encouraging environment.

These workshops also include the participation of students whose mother tongue is English, who are on exchange in France. This provides participants with the opportunity to have free-flowing conversations and learn new everyday words, rather than in a formal or written register. Lisa is always looking for fluent English speakers who are willing to participate and help participants improve their English. We encourage the arrival of more accents, in order to give them a bit more of a challenge!

Festival du Collage

Tue, 07 Jan 2025 11:22:45 GMT

Le Festival de C ollage - The Festival of Collage

L’exposition Festival of Collage à la galerie Canopy met en lumière les possibilités infinies que ce médium artistique a à offrir. L’artiste Petra Zehner, également fondatrice du Paris Collage Collective à l’origine de cette exposition, nous confie : « J’ai toujours aimé l’idée de travailler avec d’autres artistes. À l’époque, ayant récemment déménagé en France, je ne parlais pas français. Ce qui m’a amenée à créer un groupe dont je pouvais faire partie. Je voulais entrer en contact avec de nombreux autres artistes et j’ai découvert qu’avec une communauté, il était plus facile de se connecter avec les gens. Cette expérience est également la raison pour laquelle le slogan du Paris Collage Collective, inclusif et non exclusif, transmet exactement ce que nous essayons de créer : un espace sûr et ouvert à la créativité. »

Le collectif rassemble des artistes de près et de loin notamment grâce à son fort engagement sur les réseaux sociaux accessibles au public du monde entier. Leur site web propose des défis de collage hebdomadaires pour inciter chacun à participer. Cela permet au public de devenir plus curieux de voir la variété des interprétations qui ont été prises à partir du point de départ donné.

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The Festival of Collage exhibition at the Canopy gallery brings to light the infinite possibilities this artistic medium has to offer. The artist Petra Zehner also founder of the Paris Collage Collective behind this exhibition tells us “I always liked the idea of working with other artists. At the time having recently moved to France I didn’t speak French. Which led me to create a group that I could be part of. I wanted to reach out to many other artists, and found that with a community it was easier to connect with people. This experience is also why the Paris Collage Collective’s slogan inclusive and not exclusive summarises what we’re trying to create : a safe and openminded space for creativity.”

The collective brings together artists from near and far notably through their strong engagement in social media that is accessible for a worldwide public to discover. Their website offer weekly collage challenges to incite anymore and everyone to participate. This creates anticipation for the public in seeing the variety of interpretations to the given starting point.

L’exposition réunit jusqu’à 450 collages sous forme de cartes postales qui lui ont été envoyées des quatre coins du monde. Les personnes derrière chaque création sont de tous âges et de tous horizons, ce qui démontre son accessibilité. L’ensemble de ces œuvres illustre comment l’art, plus précisément le collage, peut être accessible et inclusif pour tous. Petra Zehner a déclaré que l’accessibilité est un aspect important de cette exposition. Elle souligne que « le collage ne nécessite pas de compétences particulières au départ, et ça coûte pas cher, vous pouvez utiliser ce que vous avez à la maison. Vous pouvez y aller avec une idée, puis deux heures plus tard, quelque chose de complètement différent évolue. Le processus dépend de chaque personne, certains le planifient et d’autres le suivent, laissant le collage se révéler. C’est ce qui en fait un excellent support pour le travail collaboratif. »

La présentation des oeuvres est organisée en sections où chaque mur est occupé par des rangées de cartes postales toutes présentées soit en portrait, soit en paysage. Ils représentent une multitude d’idées et de mondes différents à travers une utilisation évocatrice d’images et de textes rassemblés dans un seul espace. Chacun est plus différent l’un de l’autre tandis que certains présentent un ton comique léger, d’autres semblent plus absurdes en rassemblant des choses qui n’appartiennent généralement pas côte à côte. Chaque carte postale possède un autocollant en bas à droite menant le visiteur à un paquet de cartes avec le nom de l’artiste et un texte qu’il/elle a écrit expliquant ce que le processus de création artistique signifie pour lui/elle.

Un espace sur le mur de la galerie présente le travail des élèves de 11 à 16 ans de l’école Benfield de Newcastle Upon Tyne. Leur point de départ est de s'approprier une page de l'encyclopédie française, en intégrant d'autres éléments ou en accentuant d'autres.

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The exhibition reunites up to 450 collage artworks in the form of postcards that have been sent to her from every corner of the world. The people behind each creation are of all ages and backgrounds, demonstrating its accessibility. The ensemble of these artworks illustrates how art, more precisely collage, can be accessible and inclusive to all. Petra Zehner stated that accessibility is an important aspect in this exhibition. She emphasises that “collage doesn’t require specific skills to start with, and it’s actually quite inexpensive you can use whatever you have at home. You might go in with an idea then two hours later something completely different evolves. The process depends on each person, some people plan it. And some go with the flow, letting the collage reveal itself. Which makes it such a great medium for collaborative work.”

The artworks are organised in sections where each wall is occupied by rows of postcards that are all either presented in portrait or landscape. They portray a multitude of different ideas and worlds through an evocative use of images and texts that have been assembled into one space. Each one is more different to the next whilst some present a lighthearted comedic tone others appear more absurd by bringing things together that don’t typically belong side by side. Each postcard bares a sticker on its bottom right leading the visitor to a packet of cards. Each individual card detail an artist’s name, and a text they wrote explaining what the process of creating art means to them.

A wall of the gallery space presents the work of the students from 11 to 16 years old of the Benfield School in Newcastle Upon Tyne. Their starting point to take a page from the French Encyclopedia and make it their own, integrating other elements or accentuating others.

Différents ateliers tout au long de la semaine ont également poussé le public à explorer les différentes interprétations et formes que peuvent prendre le collage. L’atelier de broderie dirigé par l’artiste néerlandaise Yolanda Drummer Murray, dont le propre travail intègre des photos imprimées sur textile avec du fil à l’aiguille. Elle a animé deux ateliers de broderie sur papier, demandant au public de venir avec une œuvre qu’il/elle avait déjà réalisée ou une photo qu’il/elle aimait. Ils y ont ensuite ajouté des éléments textiles, leur donnant ainsi une nouvelle vie.

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Various workshops throughout the week have also pushed the public to explore the different interpretations and forms that collage artworks can take. The embroidery workshop led by the Dutch artist Yolanda Drummer Murray. Her own work integrates photographs printed on textile with needlework threading. She guided two embroidery on paper workshops, asking the public beforehand to come in with a previous artwork they had done, or a picture they were particularly fond of. They then added textile elements to these, giving them a new life.

Un atelier Slow Looking animé par Mary Jane incitait les visiteurs à réfléchir à l'effet que les images exposées produisaient sur eux. Cela a ensuite été développé, chacun sortant d'un chapeau un message lui demandant de trouver une carte postale correspondant par exemple à « la plus féministe », « la plus sexy », « la plus violente ». La multitude d'adjectifs et d'adverbes descriptifs ont conduit à une conversation engagée expliquant pourquoi chaque personne avait choisi leur carte postale. Ils ont ensuite été répartis en groupes de trois où ils ont ensuite dû combiner leurs cartes postales préférées de l'exposition et de les réunir pour créer une histoire. Ce processus de réflexion a amené les visiteurs à réaliser leurs propres créations de cartes postales-collages.

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A Slow Looking workshop directed by Mary Jane encouraged visitors to reflect on the effect the images exhibited had on them. This was then furthermore developed with each person pulling a prompt out of a hat instructing them to find a postcard, that corresponded with for example “the most feminist” “the sexiest” “the most violent”. The multitude of descriptive adjectives and adverbs led to an engaged conversation exchanging why each person had chosen said postcard. They were then put in groups of three where they had to combine their favourite postcards from the exhibition, and bring them together to create a story. This reflective process ushered the visitors into making their own collage postcard creations.

Les artistes Isabelle Milkoff et Michèle Coudert ont animé un atelier de création de cartes pop-up autour du thème de Paris en fête. Leurs instructions méticuleuses et encourageantes ont permis à nos visiteurs de réaliser de magnifiques créations. Les morceaux découpés de magazines ont réussi à donner vie à des images de l'iconographie et des monuments de Paris qui la rendent si célèbre. Les œuvres d'art jaillissent de la carte sous nos yeux.

Cette exposition a démontré l'innovation que l'on peut trouver dans le collage grâce à la combinaison de la diversité des œuvres exposées ainsi qu'aux ateliers interdisciplinaires animés par des artistes.

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The artists Isabelle Milkoff et Michèle Coudert led a pop up card making workshop centred around the theme of Paris in celebration. Their meticulous and encouraging guided instructions led to wonderful creations from our visitors. The cut snippets of magazines managed to bring to life images of Paris’s iconography and monuments it’s so famously known for. The artworks jutting out of the card before our very own eyes.

This exhibition has demonstrated the prowess and innovation that can be found in collage with the combination of diversity in the artworks displayed as well as with the cross discipline workshops led by artists.

Slow Looking

Wed, 20 Nov 2024 15:53:38 GMT

Slow Looking - WHO'S NEXT

L’activité de Slow Looking dirigée par Mary-Jane et Nita explore la connaissance de soi et la perception d’autrui. Elle est en lien avec notre exposition photographique "WHO’S NEXT" de l’artiste Charlotte Haslund-Christensen qui orne nos murs. Elle a commencé avec une petite introduction méditative, afin de nous apaiser en contrôlant notre respiration et pour être conscient de notre corps.

Ensuite, tout le monde a été regroupé en binôme où chaque personne devait choisir un portrait photographique exposé sur le mur. Et expliquer à son binôme pourquoi l’avoir choisi ou les raisons pour lesquelles il l’a autant marqué. Ceci est poursuivi par un échange tous ensemble avec le groupe, pour partager et exprimer nos pensées de ces individus photographiés en tant que présumés criminels.

Ce qui nous a mené à des commentaires très intéressants et marquants comme « la pomme d’Adam de ce jeune homme est accentuée, ce qui évoque que ces mots sont presque coincés dans sa gorge, des choses qu’il est incapable d’exprimer. » La jeunesse Fougue de certains individus évoquait une naïveté qui était particulièrement frappante pour les participants. D’autres ont particulièrement remarqué un manque de présence dans le regard des sujets.

L’activité s’est écoulée dans une séance d’autoportraits au feutre/crayon qui ont après été découpés afin qu’il n’en reste que les traits du visage dominants. Afin d’en faire un collage à la Picasso sur une feuille colorée, ce qui a mené à des résultats inattendus, comme on peut voir :

Et pour finir sur une bonne note, les participants ont été mis en groupes où chaque personne devait trouver un mot par lequel se définir et ensuite le transcrire à travers un geste. Le groupe rassemblait les gestes de tous afin de créer une chorégraphie à présenter devant les autres. Ceci nous a bien fait rire et sourire de voir la créativité et l’imagination de chacun, de manière amusante et que l’on ne pense pas souvent à faire.

On remercie encore une fois Mary-Jane et Nita pour nous avoir sortis de notre zone de confort et régalés avec l’inventivité de chaque aspect de cet atelier. Il nous a tous laissé rentrer chez nous, le sourire qui nous éclairait le visage et vraiment fait notre journée.

Vindication

Thu, 14 Nov 2024 09:55:53 GMT

Refute passivity in the face of adversity

The Canopy gallery opens its doors to the Danish native artist Charlotte Haslund-Christensen with an exhibition dedicated to her 2009 work titled “WHO’S NEXT?” The open-ended question raises the issue of the stigmatisation and criminalisation of LGBTQ people internationally through the medium of photography.

The exhibition is comprised of 40 portrait photographs of LGBTQ people lined up on the walls of the gallery space. Charlotte Haslund-Christensen had undertaken the approach of making them resemble mugshots. This conveys the image of these people being the criminals they would be considered to be in the 76 countries where same sex relationships are illegal.

There is a striking performative aspect in this piece because each participant was brought to the prison basement of the Copenhagen Central Police Station. Unbeknownst to them they were treated like any other criminal, escorted past cell doors, stripped of their belongings, and thad heir fingerprints taken. Each mugshots were individually slipped into archival plastic sleeves, making these among the last physical prints to be made considering that by 2010 they turned to digital.

The artist was inspired by Pastor Martin Niemöller’s famous statement of outcry to marginalised groups during the rise of Nazism for the title and creation of her work “WHO’S NEXT?” The exhibition’s premiere welcomed readings of said poem from various languages including French, Creole, Nepalese, Chinese, Italian, Arabic. Some interpretations added a sentence mentioning a group that is being persecuted in their country. This artwork is a call to arms for solidarity and community to address the mechanisms of marginalisation and stigmatisation.

The artwork lives and breathes in our current day as the entire collection is assembled in a limited edition box with the Niemöller poem. This enables the project to travel in countries that criminalise the LGBTQ+ community. As the artist asks friends to carry it with them conspicuously to take photographic evidence in said country as proof of vindication for this community.

“WHO’S NEXT?” Is a question that never ceases to be applicable regarding discrimination that is a facet that prevails in our society. This artwork was made almost 15 years ago and is still relevant today, Charlotte Haslund-Christensen hopes that her exhibition leaves viewers affected enough to refute passivity in the face of adversity. Because you never know if that might one day be you in their shoes as Niemöller states “and there was no one left to speak for me.”

Thu, 14 Nov 2024 09:13:49 GMT

Qu'a voulu dire la photographe Charlotte Haslund-Christensen avec "WHO'S NEXT?"

L’expo photo « Who’s next ? » , annoncée à la Galerie Canopy, ne m’inspire pas à priori. J’y vois des personnes prises à la manière anthropomorphique des commissariats de Police, méthode inventée par le français Bertillon à la fin du 19 ^ème siècle. De quoi sont-elles coupables ? Qu’a voulu dire la photographe Danoise Charlotte Haslund-Christensen ?

Pour le savoir je me rends à sa conférence d’avant vernissage. Que j’ai bien fait de venir ! Ses explications, son enthousiasme éclairent ma lanterne.

Le projet date de 2009, mais continue à vivre au fil des ans. En 2009 Les Outgames (organisation issue des Gaygames) manifestation sportive et culturelle à destination des communautés LGBTQI+ (mais pas uniquement) a lieu à Copenhague. L’artiste fait appel à des volontaires pour participer à son projet artistique. Ils ne savent pas ce qu’ils vont faire hormis participer à un projet solidaire pour soutenir les personnes mises à l’index ou criminalisées dans 79 pays du monde en raison de leur orientation sexuelle. Elle les convoque sur deux jours au poste de police de Copenhague, leur fait subir le parcours d’un criminel dans les couloirs et bureaux dégradés du commissariat, leur fait enlever leurs bijoux, les boucles d’oreille et les met devant son appareil photographique qu’elle a relié au système de la police et qui délivre des photos d’identité de personnes fichées. Un ami à elle joue très sérieusement le rôle d’un policier.

L’artiste explique que sur deux jours seulement, les participants et elle-même ont trouvé cette expérience très éprouvante, et sont ressortis de là bouleversés.

Après, Charlotte a mis plus de 200 photos dans une boîte noire, - comme la boîte noire d’un avion-, où il est écrit « Who’s next » et ses coordonnées d’artiste. Elle confie les boîtes à des amis qui voyagent ou des agents d’organisations internationales de défenses des droits. Chaque personne se photographie avec la boîte dans un pays du monde et envoie la photo à l’artiste qui continue de recevoir ainsi des preuves de son impact à travers le monde.

Ce dispositif est en fait une performance d’artiste destinée à nous faire réfléchir.

Ce qui est très intéressant, c’est qu’elle est partie du poème très connu du Pasteur Niemöller, d’où le titre « Who’s next ? », car en effet, vu la folie des hommes on ne sait pas quelles seront les victimes de demain, les criminalisés répertoriés par des cerveaux malades imbus de pouvoir. Il suffit de regarder dans l’actualité de ces jours-ci pour être convaincu que le pire est peut-être à venir. Même si depuis 2009 il y a eu des progrès : 63 états criminalisent encore l’homosexualité…

Alors oui : Who’s next ?, Charlotte a bien fait de poser la question et de nous faire réfléchir à nos propres préjugés.

Elle continue son travail d’artiste en filmant des gens de plusieurs pays à qui elle demande quelles sont leurs craintes et leurs espoirs. C’est le projet « Hope and Fear » qu’elle défend en ce moment, bientôt en Amérique du Sud.

Et pour conclure j’utiliserai sa réponse à une question peu délicate : « je ne fais pas ce travail pour être riche, mais je suis riche de faire ce travail ». Car elle aime les gens, ça se voit.

Merci à Charlotte de sa présence, de son sourire, qui s’accorde bien à celui de Marie-Line.

Merci à Canopy de nous faire découvrir une telle diversité d’artistes.

Wed, 15 May 2024 08:40:44 GMT

Retour du spectacle « Zoo au l’assassin philanthrope » au Théâtre des Abbesses le dimanche 5 Mai 2024

Qu’est-ce qu’un homme ? C’est à cette question que nous invite à réfléchir la pièce Zoo ou l’assassin philanthrope, adaptation théâtrale de son roman les Animaux dénaturés, écrite en 1963 par Vercors et présentée au Théâtre de la Ville dans une version revue par Emmanuel Demarcy-Mota et Dorcy Rugamba. La question pourrait paraître simple, l’homme est un être appartenant à l’espèce des hominidés. Et s’il persistait encore une autre branche des hominidés moins évoluée que la nôtre (les homo sapiens) ? Ses membres seraient-ils hommes tout comme nous ? Ou serait-ce des animaux ? Où se situe la frontière homme, animal ? La conscience , les sentiments, les émotions, ont longtemps été considérés comme le propre de l’homme mais les travaux plus récents ont montré que ce sont aussi l’apanage des animaux. Alors ? Alors, lors d’une expédition en Nouvelle-Guinée, des paléoanthropologues rencontrent des êtres primitifs, qui semblent être une autre espèce d’hominidé qui aurait survécu. Sont-ce des primates ou des hommes ? Pour y voir clair, un membre de l’expédition décide d’être le géniteur par insémination artificielle de l’enfant d’une « femelle » de ces êtres, de tuer le nouveau-né et de se dénoncer à la police. Son procès, auquel nous assistons, devra permettre de trancher la question. Le spectacle, non dépourvu d’humour, remarquablement mis en scène et interprété , très esthétique de par l’usage de masques d’une grande beauté figurant des animaux et du travail de lumière, bouscule nos repères et nos idées reçues en la matière. Nous en sortant à la fois ravis du bon moment passé et en proie à un questionnement multiple.

Patrick Mallet

La journée des Femmes à Canopy

Fri, 26 Apr 2024 11:04:16 GMT

La Journée des Femmes à l'Espace Canopy
8 MARS 2024

Identité croisement avec l'Art

Fri, 19 Apr 2024 10:03:27 GMT

Identité croisement avec l'Art
(Atelier à Canopy : avril 2024)

"Identité croisement avec l'Art" est un atelier créé pour explorer l'identité en dialoguant avec les autres et soi-même. Il a eu lieu le 12 avril 2024 à l'Espace Canopy et a été animé par Nita Chaudhuri et Mary Jane Olivieri. Par le biais d'exercices artistiques et de jeux, les participants ont révélé leur compréhension de leur identité à travers des mots mis en aquarelle. Par le biais d'un exercice amusant, les participants se sont également placés les uns les autres dans des catégories artistiques et ont ensuite discuté pour savoir si ces catégories correspondaient à ce que les participants pensaient être lié à l'idée qu'ils se faisaient de leur identité. Les discussions sur la race, la couleur et l'intersectionnalité ont montré une riche compréhension de la manière dont nous pouvons vivre ensemble à travers nos points communs et nos différences. Enfin, les participants ont réalisé un collage avec des images et des ponts pour montrer comment leur identité évolue du passé au présent et à l'avenir.

Le projet "Dialogue sur l'identité avec l'autre et moi-même", créé par Nita Chaudhuri de Saffron Global Health, vise à permettre aux gens de créer un espace sûr et confortable pour discuter, explorer et embrasser leurs multiples identités et accepter celles des autres. L'objectif est de créer un monde où les conflits intérieurs et extérieurs sont réduits au minimum grâce à l'exploration des identités personnelles et sociales, en apprenant à vivre avec les différences dans la paix.

ANG

"Identity intersection with Art" is a workshop created to explore identity by dialoguing with the others and oneself took place on April 12, 2024 at Espace Canopy facilitated by Nita Chaudhuri and Mary Jane Olivieri. Participants through artistic exercises and games revealed their understanding of their identity through words put to watercolour. Through a fun exercise participants also placed each other in artistic categories and then discussed whether these categories matched with what participants thought were related to their own idea of their identity. Discussion on race and colour and intersectionality showed a rich understanding of how we can live together through our commonalities and differences. Finally participants developed a collage with images and bridges to show how their identity is evolving from the past, to the present and future.

"Identity dialoguing with the Other and Myself" is a project created by Nita Chaudhuri of Saffron Global Health which aims to enable people to create a safe, comfortable space for people to discuss and explore and embrace their multiple identities and to accept the identities of others. With a greater vision to create a world where inner and outer conflict are minimised through an exploration of personal and social identities by learning to live with differences in peace.

MARK ROTHKO, L’ENFANT EXILÉ

Fri, 19 Apr 2024 09:43:16 GMT

MARK ROTHKO, L’ENFANT EXILÉ
(Exposition à la FLV et spectacle à l'Odéon : février 2024)

D’abord, la pièce de théâtre, ensuite l’exposition ! Un grand bonheur offert par Canopy pour partir à la découverte d’un artiste que nous pensons connaître et qui, comme tout artiste, a vite fait de nous révéler ses multiples méandres dès qu’on si attarde un peu.

Jouée au théâtre Odéon-Berthier, la pièce ROHTKO est un chef d’œuvre de culture européenne : écrite par une Lettone, elle a été mise en scène par un Polonais, avant d’être jouée sur les scènes d’Europe afin de nous raconter les dernières années d’un artiste qui, arrivé de Lettonie à l’âge de 10 ans, en 1913, prit la nationalité américaine en 1938 et transforma son identité 2 ans plus tard ; en effet Markus Rotkowics devint alors Mark Rothko, le grand peintre dont nous connaissons tous les somptueux Orange et Rouge… mais moins l’œuvre des débuts.

C’est en effet à la Fondation Louis-Vuitton que l’on a pu découvrir l’ensemble de l’œuvre d’un artiste très actif tout au long de sa carrière, créateur notamment de l’Artist Union à New York, en 1934. Personnage imprévisible, il eut besoin de faire un long voyage en Europe avant de trouver sa place dans la peinture et de participer toute sa vie au développement des idées liées à cet art.

L’exposition du Bois de Boulogne fait découvrir l’ensemble de son œuvre à travers des tableaux particulièrement représentatifs de son évolution vers la couleur (au sens large) en aplats. Des aplats aux bords indécis qui illustrent parfaitement sa recherche de tons et donnent à son œuvre une dimension spirituelle indéniable.

Visite du Quai Branly : Escale en Afrique

Tue, 06 Feb 2024 10:31:34 GMT

Aperçu des collections africaines du Musée du Quai Branly le 6 février 2024 avec notre conférencière Marie :

Ce Musée, conçu par Jean Nouvel, à l’initiative de Jacques Chirac, a ouvert ses portes en 2006, dans le but d’établir un dialogue entre les cultures extra-européennes et la France.

La « section » Afrique nous accueille avec la pierre-lyre de Soto, Sénégambie ; ce mégalithe vieux de plus de 1000 ans, parmi d’autres, aurait eu, comme nos menhirs bretons, un rôle astronomique. Il a été déposé en 1967, par le Président sénégalais Sédar Senghor à l’ancien Musée des Arts Africains et Océaniens, en échange de 12 tapisseries d’Aubusson, dans le cadre d’un protocole de prêt réciproque.

Marie nous présente ensuite, après nous avoir baignés dans le parfum de fleur d’oranger, les poteries, modelées à la main, par les femmes Kabyles d’Algérie ; ces poteries, sont couvertes de symbole de fertilité et le portrait d’une de leurs créatrices la présente avec toute une parure de bijoux en argent.

Dans ces régions du Maghreb (Algérie, Maroc, Lybie, Egypte), l’argent est LE métal précieux ; on lui prête en outre des vertus prophylactiques (qui prévient des maladie) et donc il porte chance. On lui adjoint parfois le corail, rouge comme le sang, le sang, c’est la vie ! la fécondité… les parures comprennent des diadèmes, des pendants de voile, des torques & colliers, des fibules, dont les tabzimt, des bracelets de poignets et de chevilles. Ces parures, qui peuvent peser de 3 à 5 kgs, au total, constituent, par ailleurs, la dot de la mariée. Les tabzimt sont également offerts pour les naissances, plus grandes, s’il s’agit de garçons ! Parmi les motifs décoratifs de ces parures : la main de Fatma : symbole commun aux musulmans et aux israëlites (main de Myriam) représentant : les 5 doigts de la main, les 5 piliers de l’Islam, les 5 livres sacrés de la religion juive ; elle peut aussi être ornée d’un œil en son centre, pour conjurer le mauvais œil.

Nous découvrons ensuite un khalaqa, robe de fête de Jordanie, de 1920, ½ coton,1/2 soir, aux dimensions extraordinaires ; elle se revêt de façon très élaborée, afin de laisser les broderies du bas apparaître sous les 3 épaisseurs superposées, retenues par une ceinture ; ses manches proportionnées, en pointe, servent aussi à couvrir la tête, et peuvent, nouées ensemble, dans le dos, être utilisées pour porter un jeune enfant.

Marie nous présente après cela la culture très particulière des Touareghs, en nous présentant les accessoires pour les meharis (dromadaires) : sac, coussins et tapis de selle de cuir, décorés par les femmes, qui y représentent les tentes (elles-mêmes ! le mot est le même en tamasheq (tamazirt, langue des Berbères du Maroc)) par des cercles de couleur bleu-vert : LA couleur des Touaregh ;

La sociéte touarègue, vivant en Algérie, Maroc, Mali, Niger et Lybie, ne dépend pourtant d’aucun de ces pays ; elle est, en outre, matrilinéaire : la femme, qui est maîtresse et propriétaire de la tente est, d’après la cosmogonie, à l’origine de la vie, associée à une goutte d’eau ; l’homme associé à la zone où cette goutte d’eau s’est répandue, n’est propriétaire que du bétail et responsable de l’activité commerciale ; en effet, les Touareghs ont été, de tout temps, des passeurs sur les routes commerciales, y compris pendant le commerce triangulaire des négriers. (sel, indigo, esclaves...). De moins en moins nomades, leurs deux grands centres sont Tamanrasset et Agadès. Ils ont une langue, une écriture et une religion particulières ; ils sont majoritairement monogames.

Nous entrons ensuite dans la salle, très haute de plafond, abritant les masques Dogons du Mali.

Les masques, éléments communs à toutes les cultures du monde, revêtent en Afrique un rôle très important ; ils sont sacralisés ; quand le danseur (seuls les hommes tiennent ce rôle) revêt le masque, il incarne ce que ce dernier représente (lapin sautillant, singe intelligent…)

Le masque le plus haut (et, peut-être, le plus lourd, 5 à 6 kilos) sirigé, représente une maison à multiples étages, symbolisant le grenier où sont placées les récoltes ; le danseur le maintient par un embout qu’il serre entre ses mâchoires et doit lui faire toucher terre, tantôt en avant, tantôt en arrière, sans le brise, ce qui serait de très mauvais augure pour les récoltes de l’année suivante.

Les masques, têtes en bas, kanaga, sont des renards pâles morts ; ils sont portés, « animés », lors des cérémonies de lever du deuil : dama ; on raconte que le dieu awa avait modelé un œuf et, l’ayant fait éclater, a créé tout ce qui est au monde, les éléments, les animaux, les végétaux, les terres et les océans, le bien et le mal…. Seul Yurubu n’avait de complément, de double ; pour palier ce manque, il a fini par créer la mort ; le dieu awa, pour le punir, l’a transformé en renard et lui a coupé la langue ; sans langue, il ne pouvait plus ni parler (transmission orale vitale) ni boire ; il est donc mort, d’où la tête en bas et les 4 membres étalés.

Un peu plus loin, nous admirons 3 statuettes de Maternité, de Côte d’Ivoire, du début du XXème siècle, dont une, dont nous connaissons l’auteur : Zlan de Béléwalé (Libéria) ; elle a été commandé par un notable de Côte d’Ivoire, en hommage à sa femme défunte. Archétype de la beauté : jambes puissantes, coiffure élaborée, poitrine lourde (elle porte un jeune enfant dans son dos), portant scarifications d’identité, sandales et bijoux de haut rang.

Nous entrons ensuite dans une salle présentant :

2 têtes géantes, en bronze à cire perdue, du Royaume du Bénin (envahi par l’empire britannique en 1897, auj au Nigéria), de la fin du XVIIIème s, peuple Edo ; surmontées d’immenses défenses d’éléphants sculptées (1 défense devant être fournie, en impôt, par les chasseurs, pour chaque animal abattu), elles servaient d’ornements aux autels dédiés aux ancêtres des souverains.

Des figurines, sexuées, par 2, 3 ou 4…. , de même provenance, mais de la fin XIXème/début XXème s ; si les naissances multiples, selon les pays et les époques, sont tantôt très appréciées, tantôt très mal vues, le peuple Yoruba, après une longue période, où on ne gardait en vie qu’un enfant, supprimant même parfois la mère (impure, sorcière ?), confrontés à un problème démographique et, peut-être après une naissance multiple, chez le roi lui-même !, a cessé de les sanctionner. Par contre, si l’un ou plusieurs venait à mourir, il semblait indispensable, pour protéger le/les survivants de créer un substitut, pour éviter que le mort ne vienne chercher son/ses frères ; ce sont ces ere (image sacrée) ibeji (né double).

Marie nous rappelle, qu’en Occident, les femmes accouchant de jumeaux ou plus, étaient considérées, et traitées comme sorcières au Moyen-Age et à la Renaissance.

Nous finissons ce trop rapide tour d’horizon par une sculpture en bois : Reine porteuse de coupe, du Cameroun, population

Bamiléké, du XIXème siècle. Le bois est recouvert d’un tissu brodé de perles multicolores ; l’art du perlage est caractéristique de l’art de Cour Bamiléké.

Ces perles sont un signe de puissance et de richesse, puisqu’elles viennent de Murano ; on peut penser que ces perles ont d’ailleurs été payées avec des esclaves. La verroterie vénitienne représentait entre 1/3 et ¼ des marchandises embarquées par les navires négriers, au départ des ports européens. Les esclaves étaient ensuite embarqués pour les Caraïbes et le Brésil, voués aux travaux forcés et échangés contre des denrées coloniales, rapportées vers l’Europe

La statue porte aussi des cauris, réservés à la famille royale au Cameroun. (les cauris ou monetaria moneta, ont également servis de monnaie, tant en Chine 1500 ans avant JC, que, plus tard dans une grande partie de l’Afrique et de l’Océan Indien). Aujourd’hui encore, certains états africains les utilisent en complément du franc CFA.

Son trône, porté par une panthère rappelle son pouvoir de se transformer, ad libitum, en panthère, comme le roi, lui, peut le faire en éléphant.

La Fresque du climat

Mon, 22 Jan 2024 16:26:18 GMT

L'atelier Fresque du Climat

15 janvier 2024

Je ne savais pas à quoi m’attendre de cet atelier, sauf que nous allions créer une sorte de fresque collaborative sur le climat et en apprendre davantage sur les problèmes comme le réchauffement climatique.

Au moins 18 personnes présentes ont participé avec enthousiasme à l’évolution d’une vue globale des activités humaines et de leur impact sur le climat. Deux groupes ont été formés, et chaque groupe a travaillé ensemble pour mettre en place une série progressive de cartes afin de nous renseigner sur les impacts de l’activité humaine sur le climat.

Chaque carte contenait des explications claires du problème. Le processus a été très instructif et a confirmé les connaissances que j’avais sur les problèmes climatiques.

La deuxième partie de l’atelier a été une présentation détaillée de l’empreinte carbone, de l’utilisation humaine des différentes ressources.

Un peu trop détaillé pour moi !

Nous avons terminé l’atelier par une activité où chaque personne a écrit sur un post-it les étapes qu’elle prendrait pour réduire son empreinte carbone dans sa vie.

C’était une fin encourageante après avoir pris conscience de l’impact mondial grave et qui donnait à réfléchir.

- Mary Jane Oliveri

A toi de faire ma Mignonne - Sophie Calle

Mon, 22 Jan 2024 14:47:32 GMT

A toi de faire ma Mignonne - Sophie Calle (Musée de Picasso).
décembre 2023

Hydrane Lo

Mon, 24 May 2021 18:33:44 GMT

...La composition du vide

D : Hydrane Lo m’a parlé de la création et du remplissage du vides dans la ville. Est-ce l’influence de Nazca ou de sa carrière en architecture ? Elle définit le rôle de l’art, et du street art en particulier, comme une des premières portes vers la culture ! Philosophe ou pragmatique ? Venez à sa rencontre

⤵️

DG : En voyant tes œuvres quelqu’un m’a dit, « c’est clair qu’elle est architecte. » Est-ce que l’architecture a une influence sur tes pensées artistiques ?

Hydrane Lo : Complètement. Mais avant de devenir architecte, je dessinais déjà comme cela!  Il y a eu tout un process, toujours d’actualité d’ailleurs car je tiens une route entre les deux démarches. Pour le moment, je vais continuer à faire des fresques, à faire des dessins, et des choses qui ne prennent pas en compte le paramètre de la gravité. L’architecture est différente de l’art car elle ne peut s’affranchir de la gravité.

Deborah : La gravité ?!

Vous pouvez suivre Hydrane Lo sur son site : hydrane.fr/
sur Singulart : www.singulart.com/en/artist/hydrane-lo-16741
sur Facebook : www.facebook.com/Hydrane/
ou sur Instagram : www.instagram.com/hydrane/

Sur L'auteur

Arnaud Liard & Kouka - Interview

Wed, 24 Feb 2021 20:30:37 GMT

...Est-ce l’inspiration qui pousse un artiste à créer une œuvre d'art, ou à exprimer un sentiment ?

Ou est-ce de l'évolution ?

Je vous invite à découvrir ces artistes surprenants et perspicaces.

Je suis devenu curieux de comprendre lors d'une conversation avec Arnaud Liard dans laquelle il parlait de l'expérience de la peinture. Arnaud est à la fois un peintre figuratif et abstrait. Jusqu'à récemment, les deux, le figuratif et l’abstrait ne se chevauchaient pas. Il a créé une œuvre combinant les deux et il était perplexe quant à la façon de procéder. Il a parlé de la nécessité de s'engager, «Il faut que je m’engage,» à combiner les deux pratiques et il ne semblait pas certain que cet engagement était la voie à suivre…./ Je voulais une nouvelle vision de ces concepts. J'en ai parlé avec Kouka. Son thème principal est le guerrier Bantu. Il joue également avec les mots afin de rendre visible ses perspectives sociales et politiques. Une de ses œuvres No Culture écrit en anglais se prononce de la même façon que «nos cultures» en français, soulignant avec légèreté et ironie sa préoccupation avec le sujet de l'ethnicité...

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Vous pouvez suivre Arnaud Liard sur son site : www.arnaudliard.com

ou sur Instagram : www.instagram.com/explore/tags/arnaudliard/ www.instagram.com/arnaudliardfiguration/

Vous pouvez voir les œuvres de Kouka à la galerie Taglialatella Galleries (Paris) du 03/02/2021 au 05/03/2021 , dans le 18e arrondissement à Paris ; à Vitry-sur-Seine, Ivry-sur-Seine, Nanterre et Saint-Ouen. Vous pouvez aussi apprécier ses réalisations sur son site www.kouka.me , sur Artsper, street-heart.com et laminigalerie.com

Codex Urbanus

Sun, 06 Dec 2020 17:35:19 GMT

The most-extraordinary bestiary

If you've been to Montmartre, you've seen Codex Urbanus' creatures. These beasts are amusing, touching, and always hungry.

They nibble on walls, in museums, in a deck of playing cards, hidden among the more mundane creatures in a taxidermy shop, and lounging royally in a chateau. It's an eclectic crew, a bit like their creator, who has a wealth of knowledge from his street art and graffiti experiences.

H e's been scribbling since he can remember, first in his class notebooks, then on his business papers, and since 2011 on the streets in Paris, Brussels, and select French cities

Deborah Gallin : Your name, Codex Urbanus, where does that come from?
Codex Urbanus : it's not supposed to be my name. It means urban manuscript in Latin, and that's the name of the bestiary. So, all of those creatures were pages or entries to this bestiary. It's just like you have the Codex Atlanticus, which is all the manuscript pages of Leonardo da Vinci or the Aztec Codex

It's just that originally, I was signing the creatures with my real name. And then nobody paid attention. Since Codex Urbanus was written above the creatures all the time, people started calling me Codex Urbanus. But it doesn't make any sense if you think about it.

DG: Do you refer to your work as street art or urban art?

CU: I refer to street art because I think it's the term used worldwide for this, more than urban art. Urban art is a little posh. It's more of a gallery term, while street art is what people in the streets say. Then, of course, some people will not agree with that, but to me, street art is really the general term for that. If you go anywhere, you will use that term.

DG: What about "urban contemporary art?"

CU: That's even posher. That's what they use on Graffiti Art Magazine actually; it was an urban contemporary, etcetera. That's because there's still something missing in "street art." The contemporary art scene, experts and art historians recognize it; it has recognition. If you want to sell, you want to use that "contemporary" term in the name. "Street art" doesn't work for this.

Also, street art is dirty. If you take the "street" out of street art, you focus on the art side, which is more bankable, and that's why they use all those terms. As you know, I still prefer street art. Because as you know, for me, street art comes from the streets. I'm kind of adamant about that.

DG: What's the role of street art in society?

CU: Wow, that's a tough question because that's a fundamental question of art's role in society. In my book, I define art as being what's necessary and not useful. How do you like that?! But it's true.

If you want to reduce a budget, the first thing you're going to get rid of is art. And we see that all the time and you can see this in front of your house. They take all the ornaments out because it's cheaper.

That's what the 20th century is all about, and we saw the result of that. It's not necessary, but for whatever reason, there are few homes on the planet where someone did not put something on the wall. The wall doesn't need that thing to hold up the roof, but something happens.

I guess street art is the overflow of art on the street in a world where art disappeared for budgetary or intellectual reasons. That's how I see it.

DG: What's the role of the artist?

CU: In my opinion, street art is an extremely selfish thing. I don't think any street artists step out in the streets and say, I'm going to just put an ornament here. That's not what happens. I think there's an urge for some of us to create images and to do art, and we live in a world where there is no real place for this. Therefore, putting it in the street is a solution. We could take all the street artists and ask them one by one to explain why they're in the streets.

There is freedom, especially if there is no technicity in what you're doing. Do you know what I'm saying? Bankable art that is official is either les beaux-arts or some conceptual stuff that is not art. It's just people that don't know how to draw and decide to be artists, and that's fine. Or highly skilled people who know how to draw and can be illustrators or work in video game companies or stuff like this. That's how you can live off your art nowadays.

A lot of artists also go in the street because they want to do this, but they did not learn or did not do anything that teaches them those skills. And that's where freedom comes into the picture. Then you don't have to justify yourself anymore when you're in the middle of the night, and you're doing whatever you want. And that makes a difference. But it's hard for me to say that that would be the main drive for street art. If it had been the main driver, this would have existed in the past centuries; but that's not the case. There's no street art before 1950, pretty much, so it never happened.

You will not find an artist in history who decided to place art without authorization, systematically and for free in a public space. That that never happened. You do have some stuff that comes close to it either punctually or more conceptually. This one guy took a statue in Rome and was putting all this satiric poetry on it. That could be seen as some kind of a street art thing, but it's not really street art.

DG: Why is street art considered interesting? Why is it valuable?

CU: Street art is interesting because we've lost art and figurative art in this world. As I said, there is no fundamental figurative art in contemporary art in France. For all the people that need to see images, suddenly, bam, they see painters. They haven't seen painters for the past 50 years. If you go to the FRAC and all that you won't see any paintings there. If you go to the Palais de Tokyo, you won't see any paintings. There's a need for that, and that creates value.

Suddenly, city halls and cultural institutions realize that there's a demand for this, and street art is a drive that calls people, and then it is used. And that's how it gets more and more valuable because you can use it.

But that's not from the artists' side; it's more from the institutions. That's why every city now in France has a street art festival. I mean, I'm kind of joking about it, but it's really getting there.

DG: Is street art this wonderful, exciting thing that everybody's jumping up and down and "got to have?" I'm told that's the way it is.

CU: Oh, man, I wis h!

It is an accelerator for sales. You do sell more if you're a street artist because you embody these different values. Freedom is one of them. Transgression is one of them. Youth, in a certain way, is one of them. Especially when you're aging, it's kind of cool.

Also, it's not because something is dubbed street art that it will sell. You know, there is still no incentive for people to buy art from living artists. It's hardly ever existed! In the 1900s, there were plenty of art collectors, and if you were part of the lower bourgeoisie, you would still have commissioned paintings and such. Nowadays, maybe 2% of the French population buys contemporary art. It's extremely low. People don't buy art that much. There are many more street artists than there is a demand for art.

Street art is creating its market. You see all those galleries that we go to, like the Cabinet d'Amateur, LIgne 13. Those galleries don't have the same art collectors as regular contemporary art galleries, and that's one of the things street art succeeded in doing: to create its market.

DG: Street art collectors aren't young 20-somethings.

CU: No. Even when you're painting a wall in the festival, you will notice you have lots of retired ladies and such and then and they will not buy anything because it's nothing their culture and then they're not there for you. But you realize that this figurative way of representing things--because most of us are in figurative art…There's a huge need for it. It's a crucial desire and need for society to be provided with pictures. And, especially for the older generations born in a world where they had paintings and such, they disappeared little by little in the 1960s and 70s. And they're rediscovering it on the walls in their cities. So that's probably an explanation

DG: What's the evolution going to be?

CU: That's an excellent question. I'm very curious about what's going to happen because, to me, street art is in the street because it could not be anywhere else. But if that little coup d’état that street art is doing is successful. If suddenly figurative art comes back into the picture. If suddenly, the French state and the French institutions start funding figurative artists instead of conceptual artists like they're doing today, then there may be a lesser need for street art.

I don't know if people will keep that habit of being in the streets illegally, or if suddenly, if there's a big enough market and they can live off their art, they're going to stop.

But I can tell that among the successful street artists, we can say that maybe 75% of them stopped working in the street once they start making money, like Atlas, and you don't see them in the streets
anymore, at least not illegally, and some of them still carry on doing it like Invader or Ella & Pitr or Mr. Chat…So we'll see.

DG: You talked about how street art is in"the street," and it's about figurative expression. You also said that people are interested in it because they have access to it and because "people want to see pictures."
What's influencing street art and street artists today? What's influencing the artists other than this capitalistic, immoral thing that's taking shape?

CU: Besides the drive of being an artist, which to me is the main driver, you have a few examples that opened the doors to street art.

Of course, that's why we need to talk about graffiti. Graffiti is not figurative; it's about writing letters and "writers." It's an actual movement that could or could not be separated or kept within street art. But it is a conceptual movement with roots in the Zulu Nation, hip hop, slam and breakdance, and graffiti…

It comes from the ghetto. It's both artists and gangs, at least at the origin, but still today, you know….some of them are in galleries, others are in jail.

So, graffiti is not the source of street art because people like Ernest Pignon-Ernest came before graffiti. They're two different things. But it is an example that was followed. And it's very inspirational and aspirational.

Then you have the French culture, which is first of all Contemporary Art. When people like Ernst Pignon-Ernst went in the streets, he was doing street art (and was one of the first street artists ever), but he thought he was more land art and before that something more contemporary.
I think he was more of an activist doing activist-land--art; and by doing so, he was creating something new.

For street artists today, there are a lot of examples that drive them to think about the street. When it comes to graffiti for the first artists, I think it's the overall ghetto, Zulu Nation artistic side. When it comes to street art itself for people like Ernest Pignon-Ernest, the pioneers, it's an overflow of contemporary art that decided to take them to the street.

DG: Is street art a movement?

CU: It is definitely a movement. The reason it's a movement is that it did not exist before.

DG: I thought to be a movement, it had to have a manifesto.

CU: No, no, that's how we see things today, but many movements appear later or receive names later. In medieval times, people doing Gothic art didn't think, "Hey, I'm doing Gothic art." The term Gothic arts is a pejorative term and appeared in the 1600s.

We tend to think that everything is in cycles, and everything repeats. The overall system of scandal-manifesto-movement is what art historians tend to see. But they're not doing their job when they do that.

One of the reasons we can say that is because of street art. You can't ignore street art anymore. It's too late. It's true.

I always think of the example of Catherine Millet, the art historian focusing on post-war and contemporary art, who wrote books that are popularization of all the different movements. She talks about Fluxus, about Support-Surface, Op Art, etc. Those books are from 2005, but she doesn't mention street art; she doesn't mention graffiti. She only mentions Keith Haring and Basquiat as being graphic-ists, whatever that means, and that's one line. When I say this, I'm clearly saying that she's "blind," that she's not seeing what happens because you cannot ignore an art movement happening, and that's street art.

What makes it difficult for people to understand, unlike graffiti, which has a unity of form and meaning. It's territorial; it's about your gang, your crew. Street art is extremely playful; it never has the same face. It can be conceptual or figurative, abstract or surrealist, made of mosaics, or done with chalk or stencils. It can be paste-ups. You name it. It's totally diverse, but it's united in its liberty, its freedom. That's because it's done illegally, systematically, and for free. That's why it's a movement. The thing is, how do you collect street art, and what do you leave for the next generation? That's, that's another question

DG: Every movement is in response to or in opposition to something else. Is there a trend or another movement that is separating itself from street art?

CU: I think a few new movements are the sons or daughters of street art. To me, one of them is neo-muralism: all those big walls that you see appearing everywhere, which are not street art. Those huge 30 meters tall walls cannot be done illegally. They're all done very legally by people who sometimes have never been on the street in an illegal manner. They're skilled, and they can do that. That's new also; it's a return to the figurative thing, but that's different from street art, and I think it's an offspring of street art.

It's not the same ballgame if you are alone in the street and doodle or paste something. And if you have one week, a huge scaffolding, tons of paints, and a municipal team to help you out. It's a different game, but it's not less interesting. It's just that this game, the mural game, could not have happened without the street art game before.

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DG: The artwork that street artists show in galleries for me is street art. I spoke to a street artist about this said, no, it's not street art. It's fine art.

CU: It's true. What do you call the art street artists present in art galleries? That's an overall question. Someone talked about inter-mural art. A guy in San Francisco created that term. Why not?

For me, street art is must be on the street. If you're doing something for an art gallery, then it's no longer street art. However, the art gallery won't call you or sell your work if you are not considered a street artist. There is a straight link between what you do in the street and what you sell in the art gallery, and cutting it would not make sense. If tomorrow ARDIF is doing watercolors of young girls, he won't sell. What he can sell is Mechanimals because that's what he's doing in the street, and he's known for that.

So, there is a link. But if you look closely, it's not street art, which raises the question of how you collect street art and the different answers. None of them is fully satisfying.

DG: Why are they not satisfying?

CU: Well, for instance, if you were to collect street art from Codex, the only way to do it would be to actually take a piece of wall because there is nothing else that takes you to the street from me.

For graffiti, you have the black book that can be collected. It is an actual piece of art. For people making paste-ups, the artists prepare two paste-ups; that's what Invader is doing: one for the streets one for the gallery.

Or you steal, which is an interesting way of doing things. (Laughs)

The idea is to put it in the street. But you also know that it will be destroyed, that it's a game, and at one point, you think why not steal it? I will not do it myself, and I totally understand that people resent that. But I also find it normal that some art collectors think, well, people are placing art in the street without authorization. I'm just going to take it because I love it and I collect it. And that would be genuine. Some people have good techniques to steal…paste-ups, for instance. I discovered that people are actually engineers in street art stealing, which leads to artists that do paste-ups to come with engineering solutions, so the work is not stolen. It's fascinating!

DG: Are art festivals or invitations like the one from Grimaud useful?

CU: Yes, it's always useful to show art in a world that doesn't do it that much. So, yes, in that way, it's definitely useful. It's not useful for street artists that are already in the street. For instance, I don't need to go to Grimaud because my work is here in Paris, and it appears on the Internet, and that's how I got "famous."

That's how you get some kind of fame and then by doing it illegally in the streets. When you do it legally in a medium city or backwater, it's good because it brings art to people locally, people who will not see street art because often they are cut off from any urban scene. It's good for you as communication because it's one thing to do something in the street. It's another one when you have a township with a Communication Department and call the press.

It's interesting for artists to do this, but the outcome is selecting a few artists who never did anything in the streets and are in all festivals. It also creates a new form of artists that you will never see in the streets like the rue des Cascades, but you will find it in most festivals.

DG: How do the "pseudo-street-artists" get into festivals?

CU: There are plenty of different strategies. Often, it's because they're using tools that make them look like it's street art: taking stuff from the streets in their art or using spray cans or not. But the hardest part is usually taking your first step. But once you enter the lineup for one of those street art festivals and you're called a "street artist, then the next one organizing a festival will look at the lineup and pretty much try to get all of them, especially if your work is not that bad. You know, I'm not saying that they're bad artists. I'm just saying they're not street artists.

DG: Are festivals useful for collectors?

CU: Yes, I think they're useful because art collectors need confirmation of their choice. If they see some of the artists they like appearing in cities here and there with a little bit of press coverage, it is probably flattering for an art collector. I think it is.

It's always good when you like something, and you see that little something being successful: it tells you well, you were right. I think that's a good thing for art collectors, and it's a good thing for street art overall. And I'm not even talking about people that speculate in street art because they need the festivals. They need any kind of coverage.

DG: I hadn't realized that there was speculation in street ar t.

CU: An Artcurial auction is a great way to see how it works. Just look at articles in the press before the auction, look at the auction, look at what happens in art galleries after the auction. It's extremely interesting!

DG: What's the role or importance of galleries in all of this ?
CU: Street art comes from the street. It's not recognized as contemporary art still today.

There is no street art in public collections in France. The FRAC doesn't have street art. The Pompidou Center doesn't have any. They may have something by Ernst Pignon-Ernst that they got in the 1970s.

Art galleries have a crucial role because they're claiming there is a market and therefore saying that art is fascinating. Street art is not just vandalism. It is art happening.

It's also a tool of credibility for street art. It's helpful to street artists, first, financially, and it gives them confidence. It's not easy when you're a vandal on the streets to think that you can actually make money out of it and be recognized as an artist. That's one of the roles of the art gallery.

The gallery is also sending this message, which is crucial: street art counts, and street art matters. It is a movement that is as interesting as Fluxus or Supports-Surfaces that can be sold in art galleries, and that can create exhibitions addressing this or that topic. So, art galleries are essential.

Then, of course, there is the problem with all art galleries, which is turning art into money and that in the process, you lose something. I think what you win when you do this clearly matches what you lose. It's really worth the game.

DG: What do you lose?

CU: To start with, you lose your freedom. When you're doing something in an art gallery, you need to fulfill a buyer and the gallery owner's needs. You cannot really do what you want; you have to do something that you can sell. You need to adapt.

DG: I would never have expected to hear that. You're an artist, and you do what you want to do: you're express your feelings, your thoughts, whatever it is, you're expressing.

CU: Well, that's on paper, but you don't want to be disappointing.

Freedom is not always a question of having a loss, and you cannot do something; sometimes, you just have the feeling that you can do something. When you're alone in the street in the middle of the night, no one's watching you, and you do whatever you want.

But when you provide pieces to an art gallery that must pay the rent, electricity, communication, the way I see it, you feel committed to not disappointing that person. You have to do something, which takes most of the fun out of when you create but is part of the game.

The fun is when you can organize yourself and what you want to do together with the gallery owner. That's a bit different, but it depends on what kind of relationship you have is your gallerist. But that's definitely one thing.

Again, an art gallery is a marketplace; it's not a museum. So, if I feel confident with an art gallery that I can do whatever I want, then it's fine; it's almost the same. But I get this also when I work for institutions like museums and Les Egouts de Paris…. You must fulfill, to satisfy the people that let you do it. That takes a bit of fun out of it. At least at the end, you don't get that sentence of: "how much do you sell?" That's also why things that you learn to ask yourself in school like "what percentage of your solo show did you sell?" "How much money you bring in?" That's life, but it's not pleasant.

DG: Has street art become too monetized?
CU: No, because the good thing is if you want to refresh your ideas or thinking, you just go in the street at night and, bam, you forget everything else. So, it's not too monetized.

But if you only do financial deals, then yes, I guess it would be too monetized, but you don't have to. It's up to you. You know, the street is always there. There will always be a wall somewhere for you.

DG: Why do you do street art?
CU: Remember that urge to draw that I mentioned? I've had that all my life that's part of me and. I never noticed it was such an essential thing because I thought art is not crucial like most people. You know, art is not necessary.

I never realized it's part of who I am. There's a chemical reaction in me that pushes me, urges me to do this, and I've been doing it since I was born and in school and then when my life changed and I stopped working seated at a desk with paper then there was a withdrawal.

However, by doing this, I started having requests for street art tours. These tours never occurred to me because I am a good boy, and to me, street art was an offense. I had to take it in, and I discovered that it's actually art on walls. It's not just vandalism. It's not just defacing, and I kind of got sucked in.
Of course, I didn't dare to do it right away. I was too much of a good boy. I don't commit offenses like that. So, I first studied where I could paste something because it's not as bad when you place it. And so I wanted to paste all ceramic tiles, but it was such a bummer: It was heavy because you had to take a stool and glue and whatever else you had to have, and it was no fun.

DG: What influences your work?

CU: All kinds of things. I've always had a taste for weird beings such as water insects, which are great! When I was a kid, I had an aquarium with water scorpions and water beetles and dragonfly larvae and stuff, which are great. Everybody should have one if you ask me.
It was even better when I was in Louisiana, and they have those crazy insects are there. So that's one source of inspiration.

Then, of course, comics. Sci-fi movies. Video games. Cartoon. Like most street artists, we use all of those pop culture, children's things as our new….mythology. Back in the 17th century, they were using Samson and Delilah or Perseus and Dromida… we tend to use Sponge Bob Square Pants or Darth Vader, but it's really the same.

All those pop culture characters embody different things. They're used the same way that biblical or mythological characters were used.

DG : You've written books. You describe your work as a bestiary….and you're making monsters with scientific names and groupings.
CU: It's a cross between different things. It really is between the medieval bestiary, which was only symbolic. When a person in the Middle Ages shows you a lion, he doesn't give a shit about a real lion. The lion is a symbol of all kinds of different things, and that's what he sees. Then the figure and the number, and the Latin name is this appearance of reason.

And that's what art is about: simultaneously totally out of these worlds and a bit scientific. Especially in the Renaissance, when all those artists and painters you can think of were actually engineers. All of them.

So yes, I'm fooling around with this, creating this both medieval and modern bestiary of monsters in the seven walls of Paris …

DG: Evolution is something that every artist does or goes through. How does that happen for you?
CU: Well, there are two evolutions. I think there's one that's technical. When you're like me without any background in art and the skills, you keep on learning. And as I said, 10 years ago, I never had used a spray can. I had never used a Posca. Then it takes some time to grasp it. It gets better and better by the year or the month. It's some kind of virtuosity system. The more you do it, the better you do it.

Then it's the concept of things that can evolve. Again, I knew I wanted to keep on the same track for a long time because I like to go deep into something, and I'm not a big fan of change either. So, I'm stuck with the bestiary for a while just because I like it. And that means everybody else is stuck with a bestiary for a while just because I like it.

DG: That goes in complete contradiction to what you said earlier about getting bored.
CU: No, it doesn't; it's never the same. The bestiary is always the bestiary, but it's always different. It's always challenging. It's always new; it's never the same animals. So, I'm creating a whole world. That's doesn't bore me.

Of course, I pop up with new ideas now and then, but I never last long because I'm really more of the bestiary kind of thing. When I did the Codex Pestilence during the first lockdown, I painted creatures with different disasters on the walls. Sometimes I do paste-ups like billboards and stuff like that, just for a change, and sometimes I do bigger walls. But really, the basis for my work in the street is the bestiary.

DG: You're mostly up in Montmartre. That's where you live.
CU: It's convenient. Whatever I do, I know at one point, I'm going to be back home. It's also because I'm one of the few persons to doodle directly on the walls. We're not that many people out there to do that. And when you do that, you get the covered really fast. They have those cleaning teams turning around Paris, and they just two strikes a roll, and bam, you're gone. If I were to try to be everywhere, and many street artists do that, I would never be anywhere because I need to have some kind of halo effect if I want to exist.

You can see more of Codex Urbanus' work on Montmartre's hill bordered by the metros Anvers, Pigalle, Blanche, the rue Custine, and the rue Caulaincourt to the area around the city hall of the 18th arrondissement. It's scarcer around the rue de la Forge Royale (metro Faideherbe Chaligny). Sometimes you can spot his beasts between Faideherbe Chaligny and Chatelet. And, he tells me, that's about it in Paris everything else is very, very scarce. On an illegal basis, without authorization, there are only a few cities where you will find beasts by Codex Urbanus: one of them is St. Malo in Brittany, another is Sète on the Côte d'Azur, and another one is Brussels (Belgium). You can also see his ever-evolving bestiary on his website: www.codexurbanus.com .

Andrew Wallas - Détrompez-vous, il n’est pas street artiste !

Fri, 06 Nov 2020 23:06:31 GMT

Andrew Wallas connaît la rue comme sa main connaît l’intérieur de sa poche, ses bombes et ses pinceaux. C’est un homme patient et humble avec une créativité élégante, sophistiquée et tout azimut. Il est à l’écoute et il rend visible ce qu’il discerne en lui-même et autour de lui : les sentiments, les attachements affectifs, les blessures, les sensations physiques, les pensées. Son honnêteté est touchante et peut aussi choquer.

Andrew Wallas : Je dis aux gens que je suis artiste peintre. Je ne dis pas je suis graffeur ou street artiste puisque ce sont des termes d'aujourd'hui. Je fais de la peinture, du pinceau, de l’art contemporain, de l’abstrait, du graffiti, du street art. Après, ils me demandent si je suis street artiste.

Pour moi, le street art est juste un terme. Le graffiti se passe dans de rue déjà, et il a bien fallu que les Bobos inventent un autre terme afin de le dissocier du graffiti et d’autres choses. Comme ces gens ont exploité les choses de façon à faire une mode, il a bien fallu qu'ils le donnent un nom. Pour moi c’est ça !

Quand tu vas sur le terrain, et que tu vois des mecs faire du street art, et d’autres faire du graffiti les deux milieux n'ont rien à voir. Mais, il bien a fallu créer un terme pour concurrencer !

DG : Pourquoi tu réalises des œuvres dans la rue ?

Andrew Wallas : J’aime apporter aux gens une émotion.

Dans la rue, c'est éphémère, il y a des risques de se faire attraper. Ainsi, je me suis rendu compte qu’en peignant sur les murs je pouvais gagner de l’argent.

J’ai réalisé une fresque dans une chambre d’enfant. C’était très intéressant, car c’était un enfant aux troubles du spectre autistique, qui a eu l’ idée précise d’une représentation avec de l’eau et des paysages.

Enfin, Il voulait quelque chose qui représentait la gentillesse et la violence. J'avais pensé à faire un chat et après un chien et puis, au final, j’ai dit un dragon ! Il a kiffé.

Par la suite ses parents, m’ont aussi demandé de leur créer un tableau pour leur chambre.
Ils m'ont exprimé en deux ou trois mots ce qu'ils voulaient dessus.

DG: Comment ça se passe pour toi quand ce n‘est pas une commande ?

Andrew Wallas : Sur murs tout dépend de mon état du moment, de mon état d'esprit. Je fais une représentation de ce que j’ai en tête. Je peux aussi bien traduire de la haine que de l’amour, que du dégout ou de l’envie... Je crée une composition sur le mur.

DG: Pourquoi Il y a beaucoup de femmes dans tes œuvres ?

Andrew Wallas : Le fait est que j'ai été élevé avec mes sœurs et ma mère. Il n’y avait que des filles. J’ai deux frères mais j’étais entouré de femmes.

J'ai toujours trouvé la femme beaucoup plus sensible que l’homme. Avec une femme les expressions du visage parlent beaucoup. Il faut être très attentif à la gestuelle d’une femme ou à ses traits du visage. Ce côté expressif de la femme me plaît

fais des représentations avec des hommes et des femmes pour expliquer le côté sentimental : amour ou déception. Les femmes souffrent de l'amour ou du faux amour. J'ai vu et entendu plein d’histoires. Cela me travaille pas mal. Je suis plus sensible aux émotions de la femme. On dit que Paris est la ville de l'amour. Les femmes le pensent, mais elles perçoivent le contraire. Elles croient que c'est le prince charmant, mais en fait, tu t'aperçois que pas du tout. C'est ceux que j’exprime souvent.

En général, je représente l’homme avec un skull (un crâne) et la femme avec un jolie visage de clown et des fleurs.

DG: Pourquoi Il y a beaucoup de femmes dans tes œuvres ?

Andrew Wallas : Oui, le gun sert à mettre fin à quelque chose, à changer quelque chose ou de passer à autre chose. Ce n’est pas forcément le suicide. C’est une certaine forme de violence ou un ras le bol.

DG : Tu as une créativité bourgeonnante dans tellement de directions différentes !

Andrew Wallas : Je cogite trop ! J'ai plein d'idées. Dès que j’ai une idée, je veux créer. Mais par la suite j'ai plein d’autres idées qui arrivent ! Après je ne sais plus ; et ça me fatigue. Ça fait que dès fois, je ne fais rien parce que j’ai trop d’idées ! C'est un truc de fou, et je comprends les artistes qui en ont marre de la vie !

DG : Est-ce qu’il y a quelque chose que tu veux que les gens ressentent ou que tu veux leur faire comprendre avec tes œuvres ?Je pense que tu devrais reformuler cette partie autrement. Par exemple : Quel message cherches-tu à faire passer ? Qu’est-ce-que le public doit ressentir ou comprendre à travers tes œuvres ?

Andrew Wallas : Les gens comprennent ce qu’ils veulent.

DG : Quelle est l'évolution de ton travail ?

Andrew Wallas : L’évolution de mon travail est influencée par mon état d’esprit. Les voyages et les rencontres apportent les connaissances.

DG : On a l'habitude de penser que l'évolution est linéaire mais l’évolution n’est pas forcément linéaire
Andrew Wallas : Attention, il y a l'évolution et évolution. Vu que moi je touche à beaucoup de choses c'est un peu différent

C’est pour ça, quelques fois au lieu de la peinture je vais être en train de customiser des baskets, ce qui me permet de faire une avancée de fou dans mon évolution : Bam ! Quand je vais me remettre sur une peinture, je vois qu’il y a un changement de fou ! Au lieu d'évoluer uniquement dans la peinture, je fais des baskets, des skates, etcétéra j’évolue d’une autre manière. Cela étant, je vois l'évolution au bout de quelques temps.

DG : Quels sont tes buts en tant qu’artiste ?

Andrew Wallas : Réaliser mes œuvres comme je le veux et voir ma fille grandir.

DG : Comment tu vois l’évolution de ton art avant et après le confinement ?

Andrew Wallas : Ça n’as pas changé grand-chose pour moi. J’ai peint comme d’habitude sans avoir le sentiment d’être confiné. Mais après le confinement, j'ai eu l'impression que tout a été remis à zéro. C'est vrai qu'on a ressenti qu’il n’y avait plus rien qui se passait pour les artistes.

DG : Qu'est-ce que tu aimes dans l’art ? Qu'es- ce qui te fait vibrer dans l’art?

Andrew Wallas : Ce que je fais sur mur, je peux le faire sur toile, et ce que je fais sur toile je peux le faire sur mur.

DG : Vois-tu un rôle pour l’art dans la société d’aujourd’hui ou dans la culture ?

Andrew Wallas : Le rôle est de distribuer les émotions au gens.

DG : Je sais au fond de moi-même que l’art est une conversation avec l’œuvre. Parfois la conversation est passionnante, et dans d’autres cas je me dis voilà, il y a quelque chose et je m’en vais…

Andrew Wallas : Le but est d'interpeller les gens. Mon grand frère m’a appris beaucoup depuis très jeune. C’est lui qui m’a fait faire mon premier mur ! J'ai appris à peindre à la bombe tout seul. Tout le reste, l'encre de Chine, les pinceaux, j’ai appris à l’école d’art graphiques.

Il y a eu des influenceurs comme Voka, un peintre allemand, et Hush, un artiste britannique .

Hush ne représente que des femmes souvent en noir et blanc avec quelques colories. Ça me parle et j'adore ! Sa façon de représenter est assez simple : rapide à base de pochoirs et de graffitis. Je ne fais pas de pochoir ; je peins directement les femmes. En fait, je me posais des questions sur la façon de représenter telle ou telle partie d'une femme, et lui m’a apporté la solution : l'aisance et la solution. Je l'ai vu faire et ça m'a apporté un supplément pour dessiner les femmes comme je voulais.

J'ai toujours aimé sa représentation de la femme en volume et le reste est plat. J’ai aussi utilisé beaucoup de rouge et de bleu à une période.

DG : De quoi es-tu le plus fier en tant qu'artiste ?

Andrew Wallas : Ma fille ! Elle est autant artiste que moi !

Vous pouvez voir les œuvres d’Andrew Wallas en galeries à Monaco, à Spot 13 (Paris 75013), à La Poterne des Peupliers (Paris, 75013), à la Bastille (Paris 75011), rue des Quatre Chemins (Aubervilliers) , rue Ordinaire au le métro Marx Dormoy (Paris 75018), aux puces de Saint Ouen, à Vitry-sur-Seine, à Amsterdam, en Belgique. Il faut savoir que les fresques sont parfois éphémères et recouvertes. Vous pouvez aussi apprécier ses réalisations sur sa page Facebook : www.facebook.com/people/Andrew-Wallas/100007448565572

Deborah Gallin, Fondatrice et Directrice d’Art Works Internationally : Unleash the Unexpecte d!

DARK c'est tout sauf « dark » !

Thu, 08 Oct 2020 20:57:35 GMT

Dark a un message d’universalité à passer. C’est un de ses fondements.
Sa signature est présente dans chaque œuvre. Le mystère et le défi est de la trouver !
N’y-a-t-il pas une contradiction quelque part ?

DG : Ça a commencé quand ?

DARK : J’ai découvert la calligraphie en école de graphisme en 2015. En 2016, je suis passé en 2ème année, et on a commencé à avoir des cours de typographie. On a eu un professeur dans ces cours qui nous a fait une heure de calligraphie par semaine pendant trois mois. C’est là où j’ai découvert vraiment les écritures classiques, comme le Katakana, toutes les écritures calligraphiques anciennes, mais classiques.
Ça m’a intéressé. Mais en même temps il faut que la calligraphie soit vraiment parfaite. Il faut recommencer, recommencer, recommencer, écrire 20 fois la même phrase pour en avoir une qui est bien, ça me saoulait un peu.

À la fin de ces petits cours de calligraphie, on a eu un dernier sujet qui était, faites de la calligraphie, un peu comme vous voulez, sur une toile ou sur un grand papier. Lâchez-vous, faites un truc où, justement, il y a moins de limites. J’ai vraiment aimé le faire sans les limites. Je faisais ce que je voulais, vraiment.

J’ai commencé à faire des compositions. J’ai présenté une toile pour la fin du projet. À partir du moment où j’ai présenté cette toile , j’ai commencé à en faire chez moi, tout seul dans mon coin. C’est là où j’ai trouvé des trucs intéressants, parce que je n’avais plus cette contrainte, cette obligation de faire comme-ci, comme-ça, et de recommencer 20 fois si ce n’est pas parfait.
A partir du moment où j’ai commencé à le faire tout seul à la maison je l’ai fait non-stop. J’en faisais tous les soirs pendant 2 ans…en gros, jusqu’à la moitié de l’année 2018.

DG : Qu’est-ce que ton travail représente pour toi ?

DARK : Pour moi, de manière assez égoïste, c’est, vraiment, un truc dont j’ai besoin. J’ai besoin de travailler constamment. Je suis tout le temps là-dedans.

D’une manière plus générale, ça représente un genre de message d’universalité que j’ai envie de passer.

L’idée de base était de mélanger les formes de calligraphie pour en créer de nouvelles. L’idée était vraiment de rassembler pleins de cultures différentes, de créer des lettres qui sont un mix de toutes ces cultures, et ensuite de faire des compositions avec ce lettrage pour prôner vraiment le coté universel de la chose, pour mettre en avant le fait que depuis la nuit des temps l’homme se parle.

Il écrit, il a besoin d’échanger avec l’autre, que ça s’est développé en des centaines de langages différents, dans des centaines de manières différentes. La finalité de tout ça, est à peu près la même pour tous les langages, on se dit la même chose, c’est pour ça que tu peux traduire une langue d’une autre, et ainsi de suite.

C’est la même chose pour tout le monde, mais de plein de manières différentes : les lettres de calligraphie telles qu’elles. C’est vraiment l’idée de mélanger tout ça, et de montrer aux gens qu’en fait il n’y a qu’un seul vrai langage. C’est le langage qu’on utilise pour communiquer et qu’après, il y a toutes les langues qui se sont développées, c’est autre chose .

DG: Tu as dit que ton message est l’universalité de communication, ce besoin d’être entendu et compris. Veux-tu que la personne qui voit tes œuvres dans la rue ressens ou pense à quelque chose ?

DARK: Non, pas du tout. Justement, je trouve que le coté abstrait de ce que je fais est intéressant, dans le sens où il ne va pas imposer un message direct aux gens, mais il va plutôt faire jouer leur imagination.
Ils vont voir des trucs que je n’aurais jamais pensé. Chaque personne qui va la voir va ressentir l’œuvre d’une manière différente.
C’est ce que je trouve hyper intéressant. Pour une même œuvre d’art que je fais, s’il y a 1000 personnes qui passent devant, il y a de très fortes chances pour qu’au moins 990 personnes voient une chose différente dans l’œuvre. Ça créé un truc un peu mystérieux qui vient faire travailler l’esprit des gens, en fonction de ce qu’ils ont vécu, de ce qu’ils ont ressenti, de ce qu’ils ont traversé, et, ça va vraiment jouer avec leur « eux profond. »

Je trouve ça fascinant.

C’est pour ça que je fais de l’art abstrait, et que je suis très content de faire de l’art abstrait, parce qu’il n’y a pas de message imposé.

J’adore l’art où il y a un message imposé, où tu es censé comprendre quelque chose en le regardant, mais j’adore aussi le coté où par exemple, j’ai des clients qui m’ont acheté des tableaux, et souvent, ils regardent, et puis il reviennent me voir deux semaines après en me disant « tu sais, ce qui est génial avec ton tableau, tous les matins j’ai l‘impression de redécouvrir quelque chose. » parce qu’il y a toujours quelque chose de nouveau à voir, des petits détails, des petites choses qu’ils vont interpréter d’une manière ou d’une autre et je trouve ça trop intéressant. Ça crée une espèce « d’ouverture » qui permet aux gens vraiment de faire jouer l’imagination et ça, je trouve ça méga intéressant.

DG : Pour moi , c’est une conversation. Et quand une œuvre a une conversation avec toi… On reste parce qu’on a envie que ça continue. Quand il n’y a pas de conversation, on continue sur notre chemin. Pour moi aussi, ce que je vois dans la rue est un cadeau.

DARK : Oui, c’est ça, c’est exactement ça.
De toute façon, la limite un peu bizarre du street art, c’est que, nous, on fait ça par envie de donner aux gens, de faire découvrir des choses et de partager, mais ce qu’on fait est illégal. Tu vois ? Et là, on se retrouve dans une situation où nous sommes obligés de se mettre en « danger » pour pouvoir partager avec les gens, parce qu’on n’a pas le droit de le faire.

Du coup, ça créé une espèce d’équilibre entre les deux, qui est assez étrange quand même, parce que pour nous, ça part d’un bon sentiment et en fait on se retrouve à faire des choses illégales pour pouvoir partager ce bon sentiment avec les gens. Dit comme ça, c’est absurde, mais en même temps, c’est exactement ça.

SUIVEZ DARK

DG : Je trouve ce coté absurde absolument génial

DARK : Le coté illégal est ce qui fait la force du street art. Il fait partie de la démarche en soi. C’est très important et très intéressant.

DG : La liberté ?

DARK : C’est ça. Et puis, à partir du moment où tu fais une commande, par exemple, on va te demander telle chose ou telle chose, tu vas être bridé, mais ce n’est pas bon pour la créativité, d’être bridé. Ce qui est bon est de faire un peu ce que tu ressens.

Je ne dis pas que toute créativité ne te viendra si jamais tu es bridé. J’ai dit que, en tant qu’artiste, si tu veux faire des choses comme tu les sens, si on te le demande, tu ne le feras pas de la même manière que si tu le fais par toi-même.

C’est un des trucs que j’ai reproché au monde de la communication, de la pub, etcétéra. J’ai arrêté cette partie de mes études parce que j’avais vraiment l’impression qu’on me demandait de faire des choses que je n’avais pas envie de faire. Forcément, si je fais des choses que je n’ai pas envie de faire, je ne les ferai pas correctement, ou je ne les ferai pas de la manière dont je pense qu’elles sont bien.

Par exemple, j’ai eu un projet en agence où je devais créer trois logos. Il y en avait un où je faisais comme je voulais, un où je faisais comme la boite m’avait demandé, et un où je faisais comme l’agence avait demandé. Au final, c’était toujours celui que la boite voulait qui était choisi. Même si, des trois, c’était le pire de très loin, et que c’était impossible d’afficher ça dans la rue…c’était toujours lui qu’ils voulaient. Ça m’a beaucoup frustré. Je me suis dit, non, ça suffit. Ce n’est pas fait pour moi. Je préfère faire mon travail tranquille. Si ça plait à des gens, tant mieux ; si ça ne plait pas, tant pis. Je trouverai un petit boulot. Je ferai serveur ou quoi, et ça m’ira très bien. A côté, je continuerai à faire les trucs que j’ai envie de faire moi-même.

Techniquement, avoir des contraintes, ce n’est pas forcément bloquant en termes de créativité, mais il faut que ces contraintes soient intéressantes et qu’elles t’amènent vers quelque chose. Quand c’est une contrainte pour une contrainte, ce n’est pas une bonne chose.

Par exemple, il y avait une expo pour laquelle je préparais des œuvres. Notre contrainte était qu’on avait tel format et qu’on devait tous l’utiliser de manière verticale.

Au final, c’est une contrainte intéressante qui t’oblige à créer un truc que t’aurais pas forcément fait. Alors que, si on te dit, « je veux une œuvre, mais je veux qu’il y ait du bleu, de l’orange, du violet, et du rouge. » Tout de suite, je vais bloquer un peu, parce que ce n’est pas du tout des contraintes que j’ai l’habitude de faire dans mon travail. Du coup, ça va me brider.

DG : Ca provoque tout de suite la question de confinement et déconfinement. On vit encore avec le virus et compagnie. Ce que tu viens de dire est vrai. On a besoin de contact, non seulement par téléphone…

DARK : Ouais, on a toujours eu ce besoin d’être en contact avec l’autre, l’Homme est un animal social. C’est exactement ça au final.

Le mouvement : CALLIGRAFFITI

DG : Au début, ton inspiration venait de la typographie.

DARK : Ouais et d’autres artistes. Ce que je fais, les calligraphies comme ça, est un mouvement d’art à part entière qui s’appelle le « calligraffiti. »

Il a été créé en 2008, par Niels Shoe Meulman, un artiste Hollandais. Il a décrété que la calligraphie, pour écrire, c’était bien. Mais en fait, il fallait élever la calligraphie au rang d’art et ne pas forcément l’enfermer sur un papier. Toutes les cultures asiatiques le faisaient déjà, de s’en servir en tant qu’art, même l’écriture arabe aussi. il a vraiment décidé que sur un mur en grand ça marcherait très bien aussi. Il a fait des trucs d’ouf. Il a peint le sol du ring de boxe. Il a fait pleins de trucs comme ça, où, le but, est de sortir la calligraphie de son contexte classique, qui est l’écriture papier simple. Il a développé ce concept et en fait de ça est née une génération entière d’artistes qui travaillent autour de son idée.

Tarek Benaoum et Cryptik font partie de ce groupe. Cryptik a fait un mur dans le 13 ^ème qui est mondialement connu. Il travaille avec la galerie Itinérrance.

Aujourd’hui, sur Terre il doit y avoir au moins 500 artistes, peut être plus même, qui travaillent dans ce mouvement à part entière.

À une époque, il y avait une liste d’ambassadeurs qui étaient les grands artistes de ce mouvement.

Ils étaient une dizaine. C’est un peu leur travail qui m’a inspiré, de voir ce qui se faisait déjà là-dedans et c‘est parti un peu de là. J’ai découvert ce mouvement a à peu près le même moment que je faisais de la calligraphie en cours

DG : Quand est-ce que tu es sorti dans la rue ?

DARK : C’était avant de découvrir la calligraphie.
Je crois que mes premières sorties dans la rue devait être en 2014 ou 2015 mais il n’y en a pas eu énormément.. Les premières fois c’était vraiment juste pour utiliser la bombe pour rigoler, pour voir un peu ce que c’était. Je faisais déjà un peu graffiti sur papier, et les premières fois où je suis sorti, vraiment, c’était pour refaire ce que je faisais sur papier, mais sur des murs.

Entre 2014 et 2016, je suis sorti 10 ou 12 fois, pour taguer dans la rue. C’est après en découvrant la calligraphie et en sachant que j’avais déjà fait des murs dans la rue que je me suis dit, pourquoi pas faire les deux en même temps ? Comment je peux être efficace et joindre l’utile à l’agréable ? Mixer les deux. C’est comme ça que je me suis lancé.

DG : Quel est l’histoire de la fresque de la rue Docteur Laurent ?

DARK : C’est un coup de chance. J’ai contacté la Mairie du 13 ^ème sur Instagram, en leur demandant s’ils avaient un mur de dispo pour moi. Je n’ai jamais eu de réponse.

Trois semaines après, je leur ai renvoyé un message du style « hé oh, il y a quelqu’un ? ». Pareil. Toujours pas de réponse. Au bout de trois semaines, la personne qui gère le compte Instagram de la Mairie m’envoie un message, et me dit, je ne peux rien faire pour vous, par contre, j’ai l’email de la personne en charge de ce genre de chose à la Mairie. Du coup, je vous donne son email, et envoyez-lui la demande directement.

J’ai envoyé le même message par email que j’avais envoyé en premier sur Instagram. Elle m’a répondu direct, « oui, on est intéressés. On a un mur à vous donner. » Le propriétaire de cette école avait demandé il y a trois ou quatre ans à ce que le mur soit repeint parce qu’il y avait des graffitis dessus. En fait, ils n’ont jamais su vraiment à qui donner ce mur. Comme je leur ai demandé, ils m’ont dit, allez-y prenez-le.

Il est immense et je suis resté pendant trois grosses journées de 8h à 20h, et au bout des trois jours, c’était fini.

DG : Ta signature, « Dark » est écrit dans chaque pièce. Je cherchais « Dark » dans cette fresque pour plus longtemps que j’aimerais avouer et je ne l’ai pas trouvé !

DARK : Il y en a un, mais il est dans les calligraphies qui sont en bleu clair dans le fond, pas dans les formes à la bombe que j’ai fait après par-dessus. Je ne suis même pas sûr qu’il soit vraiment visible. Je crois qu’il est plus ou moins au milieu de la fresque, mais je me demande s’il n’y a pas des lettres qui l’ont recouvert par-dessus après.

En plus, le dernier jour, j’avais des enfants de l’école avec leur maîtresse qui sont venus pendant une heure, ils étaient en cours d’art plastique, du coup ils sont venus me regarder travailler. Ils ont échangé un peu avec moi. Ils devaient être en CP ou en CE1, donc ils devaient avoir 6 ans maximum. C’était trop cool de pouvoir échanger avec eux. C’était une super expérience. C’était un truc d’ouf. Je croisais souvent les parents, le matin, qui passaient amener leurs enfants à l’école, ou qui passaient les récupérer le soir quand ils repartaient. Au final, j’arrivais avant eux, et je repartais après eux. C’était hyper-intéressant d’avoir les réactions des parents aussi qui passent juste avec leur enfant qui te disent : « ah c’est super, ça fait plaisir de voir un peu de couleur sur les murs ». C’était une super expérience.

En plus le mur va rester sur leur école pendant toutes les années où ils vont grandir, donc c’est cool.

C’était en octobre 2018 et c’est le plus grand mur que j’ai jamais fait. Je crois qu’il fait 26m de long, sur 5m de haut en partant de la barre de pierre. Sinon, il doit faire 6m, 6m20, 6m30, un truc comme ça.

DG : fresque tout seul ?

DARK : Jaëraymie* m’a aidé le premier jour pour faire tout le fond blanc qu’il y a en-dessous de l’œuvre, parce que le mur était beige. On a fait au moins deux couches, sinon, tout le reste, j’ai tout fait seul. C’était vraiment histoire de rentrer dans le temps et dans le timing que j’avais donné à la Mairie. Je leur avais dit que je le ferais en quatre jours.

C’est hyper important, je trouve, de faire soi-même le travail. Pour le blanc, j’avoue que s’il ne m’avait pas aidé, j’aurais eu trois jours de travail en plus.

DG : Parles-moi de l’évolution de ton travail ?

DARK : Je déteste être figé dans un truc. Je m’ennuie très vite et donc, il évolue tout le temps.

J’essaie de développer pleins d’axes différents dans mon travail. Je pense qu’il y a au moins 5 ou 6 axes différents à l’heure actuelle. J’essaie de vraiment jouer avec tous ces axes pour jamais m’ennuyer.

Chaque fois je prends un nouveau chemin, je trouve deux nouveaux chemins, et ainsi de suite. Mon travail n’est pas du tout figé, c’est un truc qu’on me dit souvent, d’ailleurs. Il y a des gens qui m’achètent des œuvres, ou avec qui j’échange en expo. Ils me disent souvent : « c’est à la fois bien et au même temps compliqué pour nous, parce qu’on n’arrive jamais vraiment à savoir si c’est toi qui a fait un truc ou pas ». Parfois ils trouvent des murs à moi dans la rue et ils m’envoient un message me demandent, « ça, c’est toi ? » ou « ça ressemble un peu à ce que t’as fait à ce moment-là mais au même temps, on ne dirait pas que c’est toi ». En fait, si, c’est moi. C’est juste que j’aime bien prendre plein de chemins différents et ne pas me figer sur un truc.

DG : La dernière de tes pièces que j’ai vue s’appelle quelque chose comme « Les Yeux », ou » L’œil ». Je me suis dit, c’est magnifique parce qu’il y a une profondeur.

DARK : C’est la dernière sérigraphie que j’ai faite. Il y a un effet de profondeur. Je joue sur les textures en fond, pour que ça ne soit pas, par exemple, qu’un aplat de rouge. Je crois que sur celle-là, j’en ai sérigraphié 15 ou 17.

J’essaie vraiment de faire en sorte que tous les fonds soient différents, même si c’est une sérigraphie. Il y a une répétition du même motif et l’idée est vraiment d’avoir une série où chaque fond est différent. Comme ça chaque personne a « une œuvre unique. » Même si elle est numérotée, elle est quand même unique. Je trouve ça intéressant. En fait, j’en ai fait deux, dernièrement. Sur la première, j’avais fait comme ça, et sur la deuxième, je me suis dit, c’est une belle manière de faire, et du coup, j’ai refait la même chose, mais avec un visuel et des couleurs différentes.

DG : Comment tu décris les évolutions ? Tu dis, je prends un chemin puis je prends d’autres chemins. Je comprends complètement cette métaphore. Je décrirais le processus créatif comme un long couloir avec des portes et j’ouvre une porte. Si ça m’amène nulle part je reviens au couloir et j’essaie une autre porte…

DARK : Oui, c’est ça, et chaque porte va t’emmener potentiellement, sur une, ou deux, ou trois autres portes et ainsi de suite. Même si tu reviens en arrière, il y a toujours cette porte qui a été ouverte. Tu sais ce qu’il y a derrière, et après tu peux aller t’engouffrer dedans quand tu as envie.

DG : Malgré qu’ils sont faites la même année, et il y a une telle différence entre tes œuvres « Naissance » avec Woodstock*** et « Sans Titre » qui a un sens de profondeur.
DARK : Il y a une espèce de profondeur. Par exemple, l’effet déchirure est un truc que j’ai repris vraiment de ce que je faisais dans la rue. Comme je colle pas mal d’œuvres que je peins sur papier en atelier. C’est quand même des affiches et ça reprend un peu le concept du truc qui va être déchiré, forcément, à un moment dans le temps.

Pour cette série, l’idée était vraiment de reprendre ce concept de déchirure et d’avoir presque l’impression de plusieurs œuvres dans la même œuvre.

Cette profondeur est un truc que j’ai beaucoup travaillé en fin 2017 et début 2018, et que j’ai fait beaucoup dans la rue. Je faisais des peintures sur papier, je déchirais les bords, des contours pour faire vraiment un effet de fissure et ensuite j’utilisais une bombe ombrage. Quand tu le colles sur le mur, si tu as un minimum de recul, tu as l’impression, avec l’ombrage sur le bord, que c’est derrière le mur. Alors qu’en fait c’est collé par-dessus. J’ai dû faire une dizaine de tableaux comme ça, où ce truc était représenté.

DG : Le travail de la fresque n’était pas une collaboration avec Jaëraymie mais c’en était une avec TocToc. Comment c’était de travaille avec lui ?

DARK : C’est trop cool de travailler avec Toctoc parce que c’est un de mes meilleurs potes. On se connait depuis 2017.
On a commencé à sortir ensemble dans la rue pour coller des trucs, pour faire des peintures. On a fait plein de murs ensemble. Ou alors on allait dans des endroits où il y avait plusieurs murs et on peignait au même moment ensemble. On est devenus très proches.

Maintenant, faire des collab avec lui, c’est très naturel. Comme on se connait par cœur, on sait exactement ce que l’autre va faire, comment il fait, la manière qu’il a de travailler et tout. C’est super cool de bosser avec lui parce qu’il y a une vraie complicité entre nous.

DG : Et Elips, comment ça s’est passé ? Comment vous vous êtes rencontrés ?
DARK : On se connait via Instagram. Il suivait mon travail depuis un moment. J’ai découvert le sien il y a 6 mois, ou peut-être un peu plus.

Elips était en contact avec la galerie WAWI, et chaque artiste qui était présent dans l’expo avait le droit d’inviter un artiste pour faire une collab. Comme il suivait mon travail depuis un moment, il m’a proposé qu’on fasse un truc ensemble.

J’adorais son taff donc je lui ai dit oui, avec plaisir. En plus, l’œuvre marchait super bien.
C’est un mec adorable. Il est super gentil, super cool et très, très talentueux. Et il est très humble, c’est vraiment un mec bien.

DG : Sont le street art ou le graffiti des mouvements ?

DARK : C’est hyper dur à définir. Un mouvement, normalement, est quelque chose censé rentrer dans une case, d’un style, d’une manière de penser, d’une manière d’agir, ou quelque chose comme ça.

La particularité du street art est qu’il y a aucune case, tout est faisable. Toutes les techniques sont bonnes à être utilisées, tous les messages ou pas de messages sont aussi utiles.

Oui, je pense que c’est un mouvement. Mais c’est un mouvement dans un sens un peu plus large que juste « mouvement » comme on en a pu en parler pour le pointillisme ou pour le cubisme, par exemple, où il y avait des lignes directrices. En fait si tu n’es pas dans les lignes tu n’es pas dans le « mouvement ». Alors qu’avec le street art, la seule vraie ligne directrice est la rue. À partir du moment où tu poses quelque chose dans la rue, c’est illégal. Si tu poses de l’art illégalement dans la rue, tu fais partie du mouvement street art, peu importe si t’en a fait une fois, vingt fois, ou cent fois, tu en fais partie.

DG : Ce côté illégal est-il la frontière entre ce qui est du street art et ce qui est du l’art « proprement dit » ?

DARK : Quand j’ai fait mon mur dans le 13 ^ème avec la Mairie, ce n’était pas vraiment du street art. C’est du street art parce que c’est dans la rue, mais en même temps, ce n’est pas du street art, parce que c’était une commande.

J’avais une autorisation, et du coup, c’est presque un job « d’artiste peintre. » Tu vois, tu n’es plus vraiment dans le street art. Mon frère, Codex Urbanus, qui l’a écrit dans son bouquin.** Il prône ce truc-là : il faut que ça soit illégal pour que ça soit du street art. C’est la base même du truc.

DG : Est-ce que tu as des buts, toi, en tant qu’artiste et pour ton art ?

DARK : Pour mon art, oui. Ce serait de jamais me retrouver « bloqué » par ce que je créé. Ça revient un peu à cette histoire de pleins de portes et de pleins de chemins.

Je n’ai pas envie de me retrouver un jour me disant, « ce que les gens attendent de moi est de faire des formes de calligraphie, » et que ça se terminera là ; et si je ne fais pas des formes de calligraphie, ça les intéresse plus. Ce serait quelque chose qui pourrait me déranger. Pour moi, de continuer à m’épanouir vraiment là-dedans, de pouvoir en vivre potentiellement, de continuer à en vivre parce que, pour l’instant, ça se passe bien. Mais, on ne sait pas de quoi demain est fait. Je voudrais toujours avoir un peu de recul sur ça, et pas prendre pour acquis ce qui ne l’est pas.

DG : Oui, c’est tellement difficile et en même temps c’est un challenge. Ça doit être aussi une ouverture d’esprit continuelle.

DARK : C’est vraiment un challenge. Il y a des moments où c’est trop bien où c’est vraiment la fête, et puis y a des moments où ça l’est vraiment moins.

Tu doutes beaucoup plus que dans pleins d’autres milieux, parce que ce que tu fais vient de « toi », et tu le partages avec les autres. A partir du moment où les autres ne sont pas forcément réceptifs, tout de suite, tu vas te poser des questions, tu vas te remettre en question. C’est un chemin en dents de scie : un coup ça va, un coup ça ne va pas, et parfois ça va un peu plus longtemps, et parfois ça ne va pas un peu plus longtemps. Je pense que ça fait un peu partie d’être artiste. Si tu étais toujours sur une ligne neutre où tu sais que ça marche, mais en même temps ça ne t’enjaille pas plus que ça… ce serait moins intéressant.

DG : J’ai appris récemment qu’on parle plus de street art, on parle d’art urbain contemporain. Pourquoi ? Qu’est-ce que tu penses de ça ?

DARK : Je pense qu’ils se sont rendus compte que c’est un mouvement tellement « grand » maintenant, que c’est dur de le laisser sur le côté.

Il y a un côté qui est quand même très lié à l’art contemporain qui est le mouvement d’art le plus représentatif de notre époque. Je pense que c’est un premier pas vers la considération réelle de ce qu’on fait vraiment.

Pendant longtemps, ça n’a pas du tout été considéré, alors que, maintenant, les marques commencent à travailler avec les street artistes. Il y a des street artistes qui se retrouvent en foire d’art contemporain alors qu’ils font pas du tout de l’art contemporain. C’est un début de reconnaissance et qu’on est sur le bon chemin.

DG : J’étais très étonnée, dans le sens où, pourquoi on a besoin de dire « contemporain » ? C’est l’art urbain, point, parce que c’est ça, mais art urbain contemporain, « contemporary urban art ». ?

DARK : C’est un peu aussi le problème des gens, de « ce monde », c’est d’avoir ce besoin constant de mettre quelque chose dans des cases pour le comprendre et pour pouvoir l’analyser, et en faire quelque chose.

Je pense que ça vient aussi un peu de ce truc-là : le street art, c’est un peu une case qui était dans un coin. On ne sait pas trop quoi en faire ; que ça soit dans un coin n’a pas plu à ces gens. Comme ils avaient besoin de le relier à quelque chose qui existait déjà, et qui pouvait avoir une image « correcte » pour eux

Je pense que ça a été ramené à l’art contemporain parce que c’est beaucoup plus facile de dire que « c’est de l’art contemporain. » Les marques peuvent s’en servir beaucoup plus facilement sans avoir peur « d’abimer leur image. »

DG : J’étais en train de me dire, l’art moderne va jusqu’aux années ’50 ou ’60 et après, c’est l’art contemporain. Qu’est-ce qu’on va dire du street art ? Que le street art moderne est jusqu’à l’année 1959, et après, c’est du street art contemporain ? C’est ridicule.

DARK : C’est absurde, surtout que les mecs qui faisaient du street art dans les années ’70 ou ’80, faisaient exactement la même chose que ce qu’on fait maintenant.

Ils étaient juste en avance sur leur temps. Ils étaient vachement moins nombreux, mais sinon, c’était la même chose, et la démarche était la même . Ils partaient, et ils faisaient des choses illégales, tout en essayant de développer une démarche et un concept qui leur était propre. L’idée est exactement la même. Il y a Futura 2000, Taki 183, Ernest Pignon-Ernest. Tous ces mecs au final, c’est exactement la même chose.

C’est vraiment ce côté où l’homme, enfin l’Homme avec un grand « H », a besoin de tout mettre dans une case. Vu que c’est un truc qui commence à prendre beaucoup d’ampleur, il y a certaines cases qui se sont ouvertes, d’autres qui se sont fermées. On s’est dit, « ce truc, on va le mettre dans cette case, parce que, comme ça, au moins, on peut l’expliquer. »

DG : Qu’est-ce qui te préoccupe en tant qu’artiste ? Qu’est-ce qui te souci?

DARK : La manière dont la société en elle-même évolue me concerne forcément. Je pense que, même si tu travailles dans l’abstrait et que tu ne représentes pas forcément les choses, si tu n’as pas un minimum d’intérêt pour tout ce qui se passe partout sur Terre, tu ne peux pas avoir un développement logique, concret.

Si je dois définir vraiment des trucs plus précis, la nature m’interpelle. De voir comment on est en train de progressivement détruire la nature autour de nous est un sujet qui m’intéresse énormément. C’est d’ailleurs une de mes séries qui traite un peu ça, et qui essaie de combler un peu ce manque de nature qu’on est en train de créer par une nature en peinture. C’est un sujet qui m’intéresse.

Pareil, le coté communication, le coté échange avec les gens. On arrive dans une société où on est de plus en plus en retrait des gens. On est de plus en plus enfermés chez nous, sans avoir besoin de sortir. On est tout le temps sur notre téléphone, on est tout le temps sur l’ordinateur, sur Facebook, sur Instagram…C’est quelque chose qui a des très bons avantages, je ne le nie pas, mais qui a aussi pleins de défauts.

Ce côté, communication, de recréer des échanges avec les gens, peu importe le langage ça joue un peu contre ce truc. Qu’on ne se renferme pas dans cette espèce de solitarisme. Je ne sais pas trop comment dire, mais, tu vois l’idée de pas être solitaire. Sortir un peu de ce truc-là, continuer à créer de l’échange avec les gens…

DG : J’étais dans le 20ème, l’autre jour, rue des Cascades, rue de la Mare et y a des pièces de ENDER partout .

DARK : Ouais, c’est son quartier. Si je reprends l’exemple de Codex, qui est un de ses bons potes, ils travaillent par quartier. Ils travaillent en général dans les quartiers où ils habitent, et ils gravitent autour de cet endroit. Je pense que pour Ender, c’est vraiment, le 18 ^ème , le 19 ^ème , et le 20 ^ème . Ce sont vraiment ses quartiers. Codex, mis à part le 9 ^ème et le 18 ^ème , il pose rarement ailleurs, un peu dans le 13 ^ème .

Je suis plus dans une démarche de mettre un peu partout. D’essayer de partager avec plus de gens, avec des gens les plus différents possibles. Ce qui m’amuse c’est de partager avec le plus de gens possibles, et d’avoir le plus d’œuvres à droite, à gauche… Tu peux toucher des gens différents en étant présent à plus d’endroits, donc c’est plus intéressant.

Pour moi, c’est hyper important d’aller partout. Si je me résigne, si je reste sur trois rues qui sont juste en bas de chez moi, je ne peux pas partager avec beaucoup de gens, donc c’est moins intéressant. J’aime mettre des œuvres sur des murs où y a beaucoup de passage, parce que tu « parles » à plein de personnes, et ça rend la chose beaucoup plus intéressante.

Le mur à côté de la place Stalingrad est sur l’arrière d’un bâtiment, donc du côté quai. Tu as une longue marche le long du mur, et il y a constamment des gens qui passent devant. Par exemple, quand j’étais en train de peindre, il y a la Maire de Paris qui est passée devant.

Sur une journée, tu dois avoir 1000 personnes qui passent devant, ça rend le truc intéressant. Même s’ils ne le comprennent pas, même s’ils l’interprètent de leur manière, ça reste intéressant, parce que tu interagis avec la personne, et tu deviens, indirectement, un truc que la personne a fait ou a vu ou a pensé dans sa journée. Ça, c’est hyper intéressant !

Tu créés un lien potentiellement avec tous les gens qui vont juste lever les yeux et regarder le mur. Et ça répond au truc de communication, créer un lien, etc.

Il y a des gens qui n’aiment pas ce que je fais, donc je ne peux pas dire que c’est un cadeau. Même si, ça va peut-être énerver certaines personnes que je fasse des trucs, ça reste pour moi une création de lien. Ça créé un sentiment chez la personne. La pire chose qui puisse se passer pour moi par rapport à une de mes œuvres, ce serait une indifférence totale. Que la personne soit contente ou super heureuse, qu’elle en parle à quelqu’un, qu’elle ne soit pas contente, qu’elle essaie de l’abîmer ou quoi, pour moi, ça reste une création de sentiment chez quelqu’un ; et au fond de moi, j’estime que j’ai « réussi » ce que je voulais faire.

J’ai créé quelque chose chez la personne, et si la personne passe devant, et qu’elle regarde et que dans son cerveau, ça fait le sifflement vide, pour moi, j’ai un peu raté mon coup. Mais, tu ne peux pas toucher tout le monde non plus, ce n’est pas possible

DG : Trois ans, c’est… waouh !

DARK : Ouais, si je devais dire une fierté, ça serait d’être en phase avec moi-même et en phase avec les attentes que j’avais quand j’ai commencé. Pouvoir me dire, aujourd’hui, je suis capable de vivre de mon art.

J’ai eu l’occasion de travailler avec des grandes marques. J’ai créé des customs de flacons de parfum pour Diesel. J’ai fait un projet avec la SNCF. J’ai bossé avec Orange sur des soirées évènementielles. J’ai bossé avec des marques de création de vêtements, je me suis retrouvé à peindre pendant le Festival de Cannes. J’ai participé à un grand nombres d’expos, solo ou collective. J’ai fais des festivals, etc. Je ne me souviens pas de toutes mes expériences parce que j’en ai fait beaucoup comme ça, de trucs assez pertinents, mais chaque fois, c’est un projet en plus, et une histoire en plus à raconter. C’est super cool.

J’ai fait des trucs qu’il y a trois ans, je n’aurais jamais imaginé faire qu’aujourd’hui, et c’est une fierté d’avoir fait ces trucs-là.

Vous pouvez voir les œuvres de Dark dans le 15ème près de la rue de Dantzig, sur le quai de la Seine, dans le 19ème, à côté de la place Stalingrad, et peut-être encore à Lisbonne. Il faut savoir que le street art et le graffiti sont parfois éphémères et recouverte.

Vous pouvez aussi apprécier ses réalisations sur son site

*Jaëraymie, street artiste.

** POURQUOI L’ART EST DANS LA RUE ? Origines et contours d’un mouvement majeur et sauvage de l’Art Contemporain, Codex Urbanus, publié par Critère Editions 2018.

*** Woodstock : Woodstock est un personnage fictif de la bande dessinée Peanuts de Charles M. Schulz. Il est surtout connu pour être le meilleur ami et acolyte de Snoopy. Le personnage est apparu pour la première fois dans la bande dessinée du 4 avril 1967, bien qu'il n'ait été officiellement nommé que le 22 juin 1970.

Deborah Gallin est la Fondatrice d’Art Works Internationally : Libérez l’inattendu.

Kool Koor: From pioneer graffiti writer to the Metropolitan Museum of Art

Sat, 01 Aug 2020 13:25:52 GMT

Instinctive, passionate, inquisitive, and an unquenchable aficionado of life's details, Kool Koor's artistic journey began in the South Bronx and continues to "constantly reinvent itself."

Kool Koor: I've always been the type of person who wanted to expand my horizons, to push further, and try to do more and different things. From humble beginnings in the Bronx, I think that I've come quite a way. I'm busy and have a lot more to say artistically. It's important to know that I don't paint every day. I don't draw every day. What I am doing is absorbing movement and sound and light reflection every day.

Right now, I'm in my car in a line of traffic. I'm not just looking at looking at the cars. I'm looking at the buildings, the leaves that are blowing, the reflections of the sunlight on the leaves. All these things become sources of passive information that you absorb. If you're taking the subway when a door opens, a wave of people go in, and a wave of people come out, all different types of colors, shapes and sizes. Some people don't pay attention to it; other people do. Some people walk and only look straight ahead and down. Other people walk and look up. When you look up, you start to see the shapes of the tops of buildings. You see the sky. Your whole perspective of everything changes.

If you want to be analytical about it, you can find patterns and algorithms within everything. And all these sorts of things--the way that the people choose to sit randomly in a public park or a restaurant-- are part of composition, parts of movement. I'll think about a series of works I want to create and prepare 10,12, 20, 30 canvases. I'll select my palette of colors, material, and things like that and lay everything out. I'll say, "This is what I'm going to use. Only. This is what I want to focus on." I like to already think about what I would like to play with. From there, the creative process begins. When I start to paint, it's like an explosion because I've already explored and absorbed. It's like a sponge: when it can't absorb any more, and it can only release! That's when I start to paint. When you're creating an artwork, you are putting your soul, and your heart on the table or on the wall for someone to scrutinize, and you hope that they appreciate it. You hope that it's acceptable.

There's a difference between "painting because if you don't sell your lights are going to turn off" and "painting because you want to paint what you want to paint." I've been in places where I needed to get those lights turned on. I find that even in those moments, I'm not a conformist. If the gallery says, "I need some paintings but no green because I don't like green." The first thing I do is to bring green paintings!

When you're a bit older, a little further in your career, you can sort of choose what you want to do. That's when it's probably even more stressful because you wonder if what you do is going to be relevant. Not so much whether somebody wants to buy it, but whether you are painting something that visually, artistically, historically is going to make a difference tomorrow or the day after tomorrow or the day after that.

I look for a theme for every exhibition. I think for a long time about the concept and the title and what it means; how I would like the shapes distributed inside an exhibition space; the energy that the movement inside of the space is going to create. Then I think about the palette, about the colors I'm going to use, and that's when I start to create.

Usually, people don't understand what I'm doing until a couple of years later. I'll do an exhibition. It may be a beautiful exhibition. I could have 20 paintings hanging, and maybe three will sell, and I think to myself, "What is it that people don't understand?" This exhibition is great. A couple of years later, those paintings start flying out the door. And I think to myself, "What was it two years ago that you didn't get?!"

Contrary to that, in New York, the work that I exhibited went immediately. People gravitated to it, understood it and liked it. That's telling me that I have to explore a little bit deeper, do a solo exhibition, see where that can go.

Deborah Gallin: Are you trying to communicate something with your artwork?

KK: I am. Constantly. It took me many years before my I got my philosophy, or my line of thought, truly clear about what I'm trying to represent. When you're young, you're just trying to express yourself and have fun. That's the first thing that you have to do. After that, you start to get a little bit more academic about your approach, at least I did anyway. For me, it's primarily a source of inspiration for optimism even though early work seems explosive and galactic. It's all a representation of transformation to a better existence. When you see these explosions and gases and bubbles, it's not really a war; it's creation.

I was always trying to dig a little bit deeper, to give things a bit more style by encoding a lot of symbolism into the artwork. I think that probably comes from my early days of graffiti when I was doing very stylized calligraphy. It was difficult to read. A lot of artists at that time felt that a Wildstyle tag was a representation of high style or was a super difficult style to attain. I dove into that. Calligraphy became an important part of my artwork and was visible in it for many, many years. What looks like labyrinths are, for me, representations of architecture in my early work.

I wanted to depict another existence happening someplace else…like in another galaxy. A way for me to do that was to build these futuristic metropolises. As the years advanced, those shapes became independent of what was representing the ground or mountains, and they started to float in the artwork. I started to see repetition and decided to make a language of those movements. I ran with it. The shapes repeating themselves evolved into an alphabet that I created. From that alphabet came sound, which I recorded as music speaking that language.

DG: You have an architectural background. Is it something that pushes your thinking outside of yourself and into the larger world somehow?

KK: I have always been intrigued by and drawn to things that were difficult to understand. I found that with architecture, you had the freedom to let your mind run wild to make a three-dimensional object.

As a young adult, I was drawn to the game of chess. I like the tower or the rook. I wanted to use "Rook" as an artist's name. I thought the idea would be too corny, so I ditched it. I took the K and the R and turned them around. That's how I got my artist's name. It reflects the way I think. If you look at life or things from the other way around, you often can understand them. That's how Koor came about. There was no one else named Koor, so that was good for me.

My first artist's name was The Arbitrator Koor. I called myself The Arbitrator Koor because I felt that in my artwork, I was an arbitrator. The arbitrator between a reality that we know and a reality that is something else. Kool came about later when I started recording music. I wanted a stage name, and I thought, "Kool Koor," and it stayed Kool Koor.

DG: You're interested in futurism. Is this "arbitrator" between the reality we know and the something else the futuristic part of your process?

KK: At a certain point, I called the work that I was doing "futuristic symbolism." Not because I was trying to be like a futurist artist following that movement. I felt that my artwork was a window into another dimension, another reality where there was another way of communication through telepathy and the sort of floating shapes that I had in my artwork.

The work from around 2012 to the present is giving space for those movements, for those primarily architectural elements to twist, interact, or expand randomly and to relate or transmit emotions.

DG: Are there particular emotions that you want or that you hope people will feel when they look at your work?

KK: I think each person gets something out of it: whatever it is you need, you'll find it. My work is mostly perceived as being very positive and calming to people, even the most explosive work. There's something sort of metaphysical going on there.

I like the idea that I have my story when I'm painting. When I first start an artwork, I empty my head. I try not to think about anything. I concentrate on the contrast between the negative and the positive space on the canvas or on the object that I'm painting. I try to create a tension in the movement.

After that comes the more academic element where you try to put extra balance and emphasis on particular areas to make the artwork work as an artwork.

I don't use gimmicks or figurative elements from everyday life to make people think about something. I can draw a person; I can look at you, and I can illustrate you in a very realistic manner. But if I were to start doing that, I think that I would not be understood as an artist. People would think I was just jumping on a bandwagon, which is not the case.

At the beginning of this year, I did something special: a series of artwork in my old style. That work is being presented by Belinda Neuman, the daughter of my first art dealer. She has a gallery in New York. They exhibited me in the Scope Art Fair, and it was very well received. I think I'm going to open up a small box inside of my universe where I will paint in my old style for their galleries.

DG: Is that a creative decision or financial decision?

KK: It was a creative decision. The gallery exhibited in Miami one year before. They saw a lot of street art spinning around, and they said, "You were there from the beginning. I think that if anything, you should represent that energy. I think that we have people that will be very responsive to it."

It was a year before I accepted. I didn't want to start doing something just for the sake of money. I thought about it, and I thought of myself as a jazz musician, "If you compose something at the age of 20 at the age of 50, you can still play that song. It's still you. Why not for a painter?! "I did it, and It worked.

DG: When you put it that way, it sounds a little bit like you're trying to pull it off on somebody, you know, "I did it, and it worked."

KK: I didn't want to do it because I like to move forward. I've tried some paintings where I mix the two styles very blatantly. I didn't like it personally even though some people liked them and bought them. I didn't feel like that was being true to myself.

In this particular case, I went to New York, and I painted a body of work in a gallery in my old neighborhood in the Bronx with spray paint. I just threw myself into that energy. The whole creative process was interesting. I came up with something that I felt good about. I didn't feel that I was cheating myself or playing games or tricking people. I felt like I was really being myself. I also thought about it in terms of music. Because you created something in one year doesn't mean that you cannot play it again. There's no problem with that. It's okay, redo yourself!

DG: For me, redoing myself is taking a big step back and losing something.

KK: This is what I was obsessed with not doing. I was closed-up in a studio, alone, in my old neighborhood, a place I haven't lived in 30 years! It put me in another mind state. Even though it was as much flashback to an older me, it was new! No matter how much you try to put something in the same color palette, the palette of colors is different. The available materials are different. The characteristics of the spray caps are different. The choice of markers for the detailing is different. When you think that it's something representing work from the 1980s and you take a closer look, you see that it's very actual!

I would say to anybody: don't have doubts about redoing you. No matter how you do it, it's you. There will always be something new.

DG: There is a quote from CWArt that struck me, "His current work is the fruit of those golden years of exploration. Elegant lines bend, blend and transform, taking the viewer on a never-ending journey within architectural balance and the reflection of light. With the ease of a gentle whisper, Kool Koor lures us closer then sweeps us away to freely wander around inside his magnificent labyrinths." (cwart : Kool Koor).

I'm curious about "those golden years of exploration."

KK: That's about the free moving labyrinths I do, which are extrapolations from textual cityscapes painted in metallic oil ink, gold metallic. I use metallic paint markers because they have an extraordinarily high reflective nature to them. Whenever I paint, even from back in the 70s and the early 80s, I use metallic ink so that when you look at the artwork from different angles, the light gives off something different. No matter which perspective you look at it changes. It's like you have many paintings in one. As a function of the temperature of the light or the time of day, one painting will glow orange with reflections and, sometimes, it'll glow in the color of whatever room it may be in.

DG: With these golden labyrinths, what are you looking for, what are you exploring?

KK: Movement! Movement & light.

DG: That's related to the music as well.

KK: Yes, I attribute sound to everything I'm doing. Imagine a two-dimensional representation of something that's three dimensional and that it's in movement. I like the viewer to feel that they're having a snapshot or a still of a movie.

DG: I can understand my eye or me moving through them, but it's more difficult for me to imagine them moving. It's almost like snakes or something.

KK: For me, when I paint, I imagine everything as a small window of a bigger picture.

DG: One of the articles I read says «Graffiti connection », « Graffiti writer », l'artiste aérosol KOOL KOOR, est un des plus intéressants représentants du « Tag » de sa génération. ». it was just this weird mix of things for me. In French “tag” is isn't graffiti.

KK: Tag is writing. In the early days, we didn't call ourselves graffiti artists. We called ourselves Writers. Writing was our language. I always say that writing or tagging is a necessary step in developing your style.

DG: How do you describe your style?

KK: Well, I would say that it is movement. Movement is the one word that encapsulates my work. My work is about searching for, or the expression of movement through time and the interaction of light, trying to find a way to make an artwork that can even ultimately disappear if you look at it from a specific angle.

I've achieved that with certain works I've been doing using black tone-on-tone. I'm working now in a series of white-on-white, tone-on-tone, paintings. Those types of things intrigue me. Because I spent so many years inside of explosions of color, the exploration within black and white is exciting.

DG: Is it calming? I ask because you talked about "explosions and color," "explosions of color," and "explorations of black-on-black and white-on-white."

KK: I'm not sure that it's calming. I didn't' think about it. I'm not doing it for the sake of being calm. I'm doing it because right now, I'm exploring creating nuances with tonality, particularly with white using flat and brilliant paint, and it's fascinating.

I'm looking forward to finishing this first series. It will be exhibited for the first time in Cannes in the south of France. The gallery exhibition opens on July 21, 2020. The second time work from this series will be shown will be in Brussels at the beginning of September. I am going to dedicate the rest of 2020 in Europe to exploring with these tone-on-tone, primarily white canvases.

When I get back to America (whenever that's going to be), I will continue spray painting in my old style but only using various shades of white & gray. The same concept but with spray paint.

DG: Here, you're doing it with paintbrushes on canvas, and there you'll do it with aerosol on canvas. Why is there a difference?

KK: I accepted to take that journey with that gallery, which has a historical connection for me: my first collector and my first gallery was Dolores Neuman. Her daughter, Belinda, asked me to do work in the old style. I want that gallery to be the exclusive place to get artwork for me made with spray paint.

DG: You talked about wanting your work to be relevant, and I hate to bring this up, but I can't help but bring it up. You're American. Is your black and white work an expression of what is happening in the United States today? And particularly the exploration that you're doing with the white right now?

KK: Subliminally? Obviously, yes. And I'm not even thinking about it. But obviously, the fact that I am doing this now. Everything happens for a very specific reason. Nothing happens before it's supposed to. Everything happens as it's supposed to happen. There's no such thing as a bad move. Everything is positive for some reason or another.

I've had this idea of doing white artwork for many years, but the moment it didn't present itself. It has now with Coronavirus and this divisiveness that's going on in the States, which is horrific. Here I am bringing out these white paintings I don't get political with my artwork. I've had a few explicitly political exhibitions. I find that you can be political without being political. It's easy to be political; it's easy just to shock to sell art, or to try to seem like you're relevant in the art world. Some figurative artists do that by nature: like Banksy or Shepard Fairey.

My work has always been abstract. For me to get political would seem, again, like someone jumping on the bandwagon. My last political exhibition was Black Gold. It was bringing to light the different commodities being manufactured or pulled out of the ground in very impoverished areas where the people who were sourcing everything were not necessarily benefiting from the product: be it coffee, chocolate, or coal.

I've done exhibitions where I tried to "enlighten" or to "create awareness about higher states of mind" Like Sanctuary, the show I did last year, which I wanted to repeat this year. I wanted to do four exhibitions, all called Sanctuary, but because of the Coronavirus, the exhibitions have been canceled or postponed. I'm still going to do them!

DG: Where are they going to be?

KK: One will be St. Louis, Missouri, one in will be in Brussels, Belgium, two will be in Greece, one in Athens one on the island of Tinos.

DG: Why St. Louis, Missouri?

KK: The first Sanctuary exhibition took place there. It was well-received, but there was one aspect of the exhibition that I didn't get to achieve, and I want to achieve that part.

DG: Why Greece?

KK: I want to re-appropriate a space, so something that was usually a factory becomes a place of sanctuary. Using my artwork in a stained-glass manner to cover the windows will create a sort of place of worship or meditation. It's that type of energy I want to relay in an exhibition space.

DG: The exhibition is site-specific. How would that work in Brussels?

KK: Every space is different. There have to be a lot of windows wherever the exhibition will be. In the factory with high ceilings and windows, you can have that effect immediately. In a smaller space, it's imperative that you have windows it's something that can be reinvented millions of times. I'm going to make that installation all over this planet if I can so that people can come in, sit down, and get something out of it. Maybe sit there for 15 minutes or an hour and just absorb energy.

DG: When you do your artwork, you impose your energy on each piece; then, the work has its own energy. Is what you put on the canvas, the reflection of your energy, or is it a whole separate being?

KK: It's a reflection of the energies that I have absorbed. It's not even me anymore. I'm just the sponge absorbing it all and finding a way to put it all together and put it back out. I'm sort of channeling it to get it into a specific medium.

DG: Sanctuary has a spiritual connotation. What you've described heads in that direction.

KK: I'm spiritual in the sense that I am aware of and sensitive to that which is not visible. Let's put it this way: without saying positive without saying negative, without saying God, without saying Allah. I believe in energy. Energy is all around us. We are all energy. We are not just human beings walking on a planet which is in a solar system, which is a galaxy which is in what we call a universe. We are that universe because we are the same elements that are above. So, we are everything.

We are sensitive. We should remind ourselves that we should be sensitive to that which is around us.

I gravitate to the spirituality of indigenous peoples from various continents. I gravitate to the ways of the Buddha, not in the destructive aspects of war and things like that, but in the sense that every life matters, be it an insect or be it a walking human being. Respect for nature, respect for life, respect for everything, is dear to me.

I don't like conflict, but I usually manage it well. I'm a calm person by nature. I don't like to get upset, don't like don't get pushed over the edge either. In my artwork, I feel that I have something to do that is bigger than me. I'm not trying to understand everything. I don't say that I understand everything. That which I can control, I try not to control and let it happen.

DG: The energy aspect is fascinating.

KK: It's an amazing thing. I've heard this multiple times: the universe only wants to please us. If we can understand that so many things in life become easy. We all have the capacity to influence nature. We have the capacity to influence the universe, to interact with nature and the universe. Our mission, I feel, and have come closer to understanding, is to remind people of something. We meet people for very specific reasons without fully understanding it in the moment. It's to remind somebody to remember. We are often so wrapped up in the rat race of human existence that we don't slow down for the basic simple things in life. Seeing the beauty and small things that surround us every day.

I'm not saying you have to be Hari Krishna smiling "life is love" and in euphoric bliss constantly. There's a lot to be gained in taking the time to appreciate things that are happening around you. You look at a baby or a child smiling, and you smile too. There's something about it that's so natural and so pure that it just resonates with you if we spend a little bit of time being sensitive.

I say the biggest problem in this world is that there's no love. There's no real love for what's around you. If you loved everything that was around you, you wouldn't destroy it. Some people say, when you have a higher vibration, you can become sensitive to things that are on a higher level. Things on a lower level are what we are influenced by regularly. Sometimes you can feel other people's energies just being around them. If I'm in a room, and I walk up to five people, there's a connection that you can have without even having a single word with a person: a connection or repulsion. Something repulses you about an individual without even seeing their face.

What is that? If you're not open to it, you walk right past it. You don't understand, and then whatever happens happens. If you're in tune with it, you can find that sometimes there's something that draws you to open a conversation. Things click, and before you know it, you're talking to someone like you've known them your entire life. Other times it just doesn't click. Interactions and intermixing of energy are something I think that most artists are experiencing when they're going through their creative process. They are connecting to something. At least for me, I feel that I'm connected to something. I don't try to understand what it is. I just accept that it's a good place, and I ride the wave.

DG: You're in the flow.

KK: Yeah. You feel it. You know when you're there, and it's a beautiful thing. You don't' want to let it go.

Enjoy the videos with Kool Koor on the Art Bunker Gallery website or below:

Kool Koor is busy indeed! You can see his work on Facebook and Instagram or live in:

France:

Paris, Gare du Nord: 2nd level--direction #4 line
Cannes, Galerie Vieceli, exhibition beginning July 21, 2020.

Belgium:

Brussels, Louvain-la-Neuve station 6--elevator column leading to platform 1.
Brussels, Kool Koor, together with Alvari and Mino Ponti, will produce the largest artists' work on vinyl on IT Tower. The work in black, white and gray will be printed on 3M vinyl and applied to the 5000m2 façade of the 120m tall building using heat.

Netherlands:

Graffiti legend and Rammellzee and Jean-Michel Basquiat cohort, Kool Koor, has been invited together with Soaq One (graffiti artist and member of the HipHop formation Divorze) and Illustrator Shamisa Debroey to paint an enormous (13m x 2m) mural on the exterior of the Speelhuis Theatre in Helmond as part of the city-wide celebration of Lucas Gassel, the reference in landscape painting. The invited artists represent the cities in which Gassel lived during his lifetime (#Helmond--Soaq One, #Antwerp--Shamisa Debroey and #Brussels—Kool Koor). During this performance, the artists will reinvent Gassel's work in an urban context.

DG: When I learned that your work is in the Metropolitan Museum of Art in New York City, I was impressed as hell! Then I thought, "Wait a second, he's a contemporary artist. They don't have contemporary art!"

KK: Apparently, they do! My first gallerist donated the artwork in their collection. So, yes, I have artwork in the Metropolitan Museum, but I'm not very happy about it because they're not letting it live.

Deborah Gallin is the Founder of Art Works Internationally: Unleash the Unexpected.

Eddie Colla: If you want to achieve greatness, stop asking for permission

Thu, 18 Jun 2020 15:56:00 GMT

It seems like every piece of Eddie Colla’s work I see in Paris has a woman’s face staring intently at me, not happily or aggressively, more thoughtfully or wistfully or defensively or courageously or impudently. Many of these women are wearing a mask of some kind. Every one of them is dressed as though she survived Armageddon. Despite describing what could be considered unattractive, I find these women stunning not in the “classic” sense of the term, rather beautiful and surprising at the same time. Each one is captivating.

Eddie and Frédéric Steimer are organizing Carpe Diem Solidaire , an artistic event on June 20, which will bring together more than 150 artists around the world to raise money for COVID-19 research.

I spoke with this ingenious, contemplative artist recently. I’d like to share our conversation with you.

DG : The images I see on the street, on your website, and in all the articles I read seem all to be of women. I know you photograph men, so why am I only seeing photos of women?

EC : I’ve had this conversation with a lot of people. There are two interesting things. The photos are probably 70/30, women. I think people’s impression is that it’s about 95%. People pay a lot more attention to women. People go to an exhibit and ask, why are they all women? And I’ll say, well, they aren’t. The other thing they’ll say is, why are they all Asian?

The idea behind these photos is they are images from the future. My vision of this future is that people will be less and less any one thing: you know, Asian, Black, Caucasian, Hispanic…. Most of the people in those photographs are of mixed ethnicity. People just sort of see a little bit of what they want to see.

I remember the first show I did at GCA.* I was in the gallery one day talking with a lady, and she said, all the pictures seem to be of Asians. And I told her they’re not. And she said it seems like they are. We walked through the gallery, and at one point, I said to her, the people in these three pieces are Black. This person over here is Black.

People see what they want to see. They find what they’re looking for. That’s interesting to me because it’s just it changes the way I see it and the way a viewer sees it when they go to the gallery’s exhibition.**

DG: You went to Shenzhen China and said it was the most successful experiment in telling the story of a place?

EC: The experiment was with found material in Shenzhen. Essentially this is what it was: I don’t know anything about Shenzhen. I don’t speak or read Mandarin. I would select pieces of signage or old billboards or whatever, and I would collage them together based purely on how they looked. I was doing a residency, so there were people there who speak good Chinese. I told them not to tell me what the sign says until I was done. I would make a piece, and when it was finished, I would ask, what does all this stuff say? And they would just translate the little bits of sign and stuff that I had taken.

The idea was, is it possible to say something about a place just using discarded things you find that people had thrown out? Could you tell a little bit of a story about a place doing that even without understanding what any of it said until it was done?

I did a lot of pieces like that, and some were more successful than others. But one was particularly successful because it conveyed a lot about the ethos of a place like Shenzhen, just from random discarded objects. It’s a little bit like archaeology.

DG: Most of the time, the people in the photos are wearing masks and gloves, and weird clothing and all that other stuff. To me, these look like people who have lived through Armageddon or some vast explosion, and what they’re wearing is what they found. So, it’s similar.

The question then is, with all those found objects on these people, can you tell who they are? Do they become someone else?

EC: I don’t think the portraits that I do of people are representative of who those people are. They’re portraits of people that don’t exist.

Just to give you a little bit of background on how that all came about. In 2012, I did a three-person show with two other artists. I don’t know if you remember, the Mayan prediction that the world was going to end in 2012.

DG: I thought the world was going to end in 2000 when we changed centuries.

EC: Well…it keeps not happening…. We took over this giant gallery space, did this massive installation with all these elements to it. We thought, let’s do an installation that represents this post-apocalyptic world. That’s when I started doing those portraits. Eight years ago.

When I was researching that I wondered, what are actual things that might happen that could bring the world to a standstill? The more I looked into it, the most popular theory or most likely theory was a global pandemic, a respiratory disease.

DG: Are you serious?!

EC: Absolutely. That’s why all that the work looks that way. I made a bunch of those portraits. Then the question is, what happens when these very fragile things sort of start to collapse like economies and trade and all the constructs of modern civilization, order and policing, and systems of government? If it all goes away very quickly, what’s left? What are people without all that? What do we become?

I thought, often when there’s any kind of a crisis, and in my mind, it would be a global pandemic, what’s the first thing that happens? If a crisis is big enough, the military is sent in to try to help. If they’re unable to help or if they fail or if they leave (and you see this in places that we occupied like Vietnam), they leave massive supplies behind…everywhere. A lot of what people are wearing are old military clothes and old military supply stuff. I thought, if something like this happened, a lot of this stuff would remain, sort of “the last stand of trying to stop it.”

Of course, they were wearing masks because, in a pandemic situation, that’s the first thing you do. I did that for a short time. Then I thought, that doesn’t make sense because we would run out of masks very quickly. That’s when I started the models wearing these sorts of homemade masks. You can see it in the work: It goes from them wearing medical masks and masks for respirators…by the time they [the images] get to around 2018, they’re wearing bandanas or pieces of cut cloth and things like that. Originally what I was trying to make was a document of what the world might look like, what people might gravitate to if a majority of our societal structures disappeared.

EC: That focused predominantly on atavism. Atavism is a piece of DNA that a species has that it no longer uses but still exists. Whales are an example of it. Whales still have the DNA to make feet, from when they were on land. They don’t express that quality because they don’t need it anymore. But within the DNA of the whale, the strand of DNA that makes feet still exists.

The idea was that traits in a species can reemerge if you change their environment. That’s a lot of what I was examining. As people, what is inherent to us, and what is the product of our societal structure?

Originally, I was trying to see what that would look like. I did it for a few years, and my focus changed to what strengths or resiliency do people express under adversity? That’s what the photos became more about later. They were less about a specific narrative of what may have happened to the world and more concerning what are the things we can’t be stripped away? What are the things that are not external? Perseverance or the inner strength to ignore something or just a sort of dignity that you can’t strip from people. That’s what I wanted to present.

There’s another recurring theme in those photos that people have asked me about: the keys around their neck. They’re not in all the pictures, but probably a third of the people have keys attached around their neck. The whole reason I put the keys in the photos was as a symbol of hope. If the world fell apart, you wouldn’t have much need for keys. The idea of holding on to your keys presents the idea that, at some point, this is going pass, and I’m going go home. I’m going to go back. Everything’s going to go back. Otherwise, why would you hold on to them?

DG: In an article written in 2015 for the San Francisco Weekly, you talk a lot about why it’s good to do street work, but you don’t say anything about why it’s good to do gallery work. Why is it good to do street work and gallery work?

EC: Street work has a lot of limitations. Particularly if it’s illegal, you have to be able to execute it in a reasonable amount of time. You can’t sit there all day and deliberate on whether this might need more red. You have to be able to do it quickly and get the result you want. Certain processes just don’t lend themselves. There’s a tradeoff.

The part I like about it is that it’s in a public space and brings art into the community, which I think is important. I think it changes public space a little bit. Let’s say, every day, you walk to the metro station and go to work. You walk the same route. One day, you walk to the metro station, and there’s this big image the whole way to the metro station that wasn’t there when you came home the night before! It’s not an advertisement; nobody’s making money. It’s very intriguing as to what the artist is trying to do. It’s just presenting you with something. It’s not expecting anything in return. It’s not trying to get a sale. I think that’s a great thing to have in society. It’s just nice to be surprised.

Art galleries are fine, museums are great. I spend a lot of time in museums. But people are busy. They don’t all have time to set aside and go to a museum. I think having art in public places is a very good thing. I think street art particularly is good because there are no committees involved. If you’re doing a mural or a big production, something that’s a legal wall, there are often a handful of people who have a say: we think this is appropriate. Street art has none of that. You can put up whatever you want. If people find it offensive, they’ll destroy it. There’s a democracy to it that doesn’t exist once you get into bigger, legal public situations. I have respect for anybody’s going out and doing what they like.

EC: Another thing I would say as far as making street art is you have to be careful of too much. I’m not saying no one should do it. I’m saying if you saturate a place with too much, it doesn’t mean as much. In other words, if you have a couple of murals in a neighborhood, they might stand out. If suddenly there’s a new mural on every other street, it just doesn’t mean anything anymore. It becomes diluted. I agree with bringing art into public space. But there’s a thing about saturation that can kill something. You want to leave the audience still craving more, not exhausted.

The thing about gallery work is you can do a lot that you can’t do on the street. I’ve done pieces that are lit in a specific way or backlit. I can’t do that on the street. Maybe I could do it on the street in a situation like I described where it’s a legal wall, and it’s been pre-arranged. But in an illegal way, I can’t do it. There’s also something about being in the studio where you’re not hurried or harried. You can use a much bigger range of materials. You have the time if a process is slow or takes several days because of drying or whatever technical reason. You have more room to expand how you do things.

* GCA Gallery is a contemporary urban art gallery, Paris 13th

** I invite you to read “Conception Vs Reception” Eddie’s blog post on April 15, 2020, in which he talks about the “complexity of representation.”

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Deborah Gallin is the Founder of Art Works Internationally: Unleash the Unexpected.

Henry Hang : Peintre et danseur à vie

Fri, 12 Jun 2020 14:20:14 GMT

Henry Hang est fier de son pedigree hip hop. C’est le moins que l'on puisse dire. Toujours danseur hip hop (il a commencé à danser en 1988) et graffeur à une époque, il maîtrise l’huile, l’acrylique, l’aquarelle et la bombe aérosol et peint sur tous les supports qu’il trouve : les murs, le toiles, les habits.

Venez à la rencontre de cet artiste passionné.

DG : Comment tu es rentré dans ce monde ?

HH : Ma mère était photographe. J’ai grandi avec tout ça. J’ai fait des études de photographie quand j’étais plus jeune et développé les photos à la maison.

J'étais beaucoup attiré par le dessin de la BD. J’allais la bibliothèque, je regardais les BD, je recopiais, je refaisais tout. On allait au Louvre. J'étais partagé entre les grands peintres et la BD. J'ai mélangé les deux arts. J'ai commencé par le dessin. J'avais une vision photographique des choses et la façon dont je peignais était plutôt photographique.

Naturellement, j’aimais le hip hop, j’étais aussi danseur.

DG : Qu'est-ce qu’il y avait dans le hip hop qui te touchait?

HH : Danser ! C’est ce qui m’a toujours le plus touché. J’étais danseur hip hop et je danse toujours. J’aime quand ça bouge, quand il y a beaucoup de mouvement. Quand on danse on est libre. C’est ta personnalité, ta culture, ta manière de bouger que tu ramènes et que tu transmets . C'est la culture que je transmets et cette liberté de créer chaque jour sans contrainte.

DG : La liberté est un mot qui revient souvent quand je parle aux street artistes.

HH : Oui, c’est la liberté ! Tout ce qui est académique a un droit d’entrée soit à cause de l’argent parce que l’école coûte cher, soit il faut avoir le bagage intellectuel ou tout cela. Ce sont les contraintes qui font que certains ne peuvent pas y accéder facilement.

Avec le hip hop il n’y a pas de barrière : ni financier, ni social, ou autre. Avec le street art et avec le hip hop on est libre…de dessiner ce qu’on veut et où on veut. C’est la raison qu’on parle de liberté.

DG : Tu parles souvent de graff et graffiti. Pourquoi ?

HH : Je parle beaucoup de graffiti parce que ça me rapproche de ce que j’ai vécu dans le hip hop et parce que le graffiti m’a amené à peindre aussi. Quand j’ai commencé à peindre on parlait de graffiti. Ce n’était pas de street art. Ce mot est venu plus tard. J’ai dû inventer un nouveau terme pour me définir. Je faisais du tag mais j’aimais peindre sur les toiles aussi. Ce que j’ai vu au Louvre m’intéressait beaucoup.

J’ai mélangé le hip hop et le graffiti. Quand on me demandait ce que je faisais, je ne pouvais pas dire que je faisais du hip hop parce ce n’était pas du hip hop et je ne pouvais pas dire que je faisais du graffiti parce que ce n’était pas du graffiti. J’appelais ce que je faisais du hip hop art.

Je n’arrive pas à dire que je suis dans le street art. Les gens sentent que je ne rentre pas dans ce cas. Je viens d’une branche de graffiti de la culture hip hop. On oublie souvent que le graffiti fait partie de cette culture. On peut dire que je suis en mode résistance : hip hop dans l’esprit du hip hop. Je parle du hip hop et d’être danseur hip hop. Je peins les danseurs et je fais du graffiti. Je danse et je peins. Je suis vraiment dans cette culture ! C’est très rare qu’on voit des artistes comme moi.

DG : Le hip hop est bâti sur quelles valeurs ?

HH : C'est un métissage culturel. Au départ c’était du genre « peace and love." On peut venir de la France, d’Afrique du Nord ou d’un autre pays, on peut être Anglais ou Américain. On vient avec sa propre culture et on mélange les cultures pour donner la couleur du hip hop. On vient peut-être avec des problèmes familiaux ou des problèmes personnels mais on sait que son énergie négative sera transformée en énergie positive. On se bat avec son art en faisant les défis avec les autres toujours dans la paix. Ce sont les valeurs du hip hop.

DG : Tu « fais un lien entre l'écriture et la grammaire de l'art contemporain avec l'énergie du graffiti. » C’est quoi « l'écriture et la grammaire de l'art contemporain ? »

HH : Il y a un côté classique en l’art contemporain et en la peinture contemporaine. Elle a une école et une manière de fonctionner propre à elle.

Je fais un pont qui permet aux gens d’admirer, même de comprendre ce que je peins. Je mélange les techniques de peinture classique et les techniques de graffiti. C’est-à-dire, j’applique cette manière académique de peindre sur mes œuvres tout en mélangeant une culture non-académique, l'esprit urbain de cette culture urbaine. Les deux peuvent se rencontrer sur la même toile.

DG : On parle du graffiti et de street art comme « le mouvement urbain fait d'une polyvalence et de la créativité. » Où est la rébellion dans tout ça ?

HH : La rébellion vient surtout du fait qu’on n'est pas académique. Il n'y a pas d'école et on ne va pas suivre des codes stricts des écoles. On se rebelle sur les supports aussi : le mur. Qu’on peint sur un mur, il n'y a pas d'autorisation. On part, on le sent, on le fait. Peu importe ce qu’on met. Ce qui est important est qu'on le ressent.

C’est libre au spectateur de dire j'aime ou je n’aime pas, je comprends ou je ne comprends pas, j’adhère ou je n’adhère pas.

Même quand qu'on fait un tag sur un mur, on ne va jamais expliquer ce que ça veut dire. C'est celui qui connaît cette culture qui va savoir ce qui est écrit. Quand on parle de graffiti on parle plus de rébellion que de graffiti. Le street art est beaucoup plus accessible que le graffiti est plus facile à comprendre.

DG : Tu dis « mon art est à vivre ». Ce sont les autres qui vivent ton art quand ils le voient ? Ou c’est toi qui vit ton art en le faisant ?

HH : il faut dire que c’est les deux. Je ne peins pas forcément que pour être dans une galerie ou dans un musée. Mon art est accessible et il est polyvalent. Je n’arrête pas sur un support. Je peins sur la toile, sur des objets, et sur les habits. On vit avec.

L’art n’est pas fait pour être enfermé. Tout est art : on peut être interpelé par la forme d’une flaque d’eau ou d’un nuage. Ça fait partie de la vie. Mon art aussi, il est à vivre. Il faut que les gens profitent de cet art. Autant je vais faire des prix qui peuvent être très chers autant je vais faire des prix qui peuvent être accessibles à tout le monde. Chacun a le droit de me demander selon son désir, selon son prix, selon ces choses. Je lui ferai profiter parce que ça le touche.

DG : Comment ton art est un art contre-courant ? Ce n’est pas contradictoire à dire que tu fasses un art contre-courant ?

HH : Effectivement, ça peut être contradictoire et je veux être contradictoire. Je ne rentre pas dans le cadre des graffeurs classiques. C'est ma volonté depuis longtemps : ne pas être enfermé avec la bombe aérosol et faire que les ponts et que les murs. Je ne voulais jamais faire que ça.

C'est la raison pour laquelle très, très tôt, j'ai peint sur les toiles alors que mes copains étaient encore sur les murs et taguaient sur les trames. J'ai dit OK, j'ai fait ça, mais je vais arrêter. Je savais que la plus belle des peintures, la plus forte des peintures est l’huile sur toile. Je me suis dit, je veux le top, je veux l’huile et après je vais revenir à la bombe. J'ai toujours navigué à contre-courant. J'ai toujours été à l’aise là où on ne m’attend pas. Pourquoi? Il faut toujours étonner les gens. Un artiste doit surprendre, et moi je veux surprendre. Il coûte très cher de surprendre, d’être mis un peu à part des fois mais c’est ma manière de vivre. Mon but n’est pas forcément de plaire à tout le monde. Mon but est le partage.

Quand les gens veulent comprendre la culture urbaine, le street art, ils vont sur internet. Mails il n’y a pas une histoire de street art, de graffiti ou de hip hop, il y a DES HISTOIRES. Il y a beaucoup de gens et chacun a son histoire. Ceci explique pourquoi les artistes parlent de la liberté. Quand on est libre on fait ce qu’on veut et c’est à cause de cela qu’il y a des histoires. J'ai débuté en peinture entre 1994 et 1997 et le graffiti plutôt en 1994. Je dansais du hip hop déjà en 1988. Les gens m’ont connu peintre et ils m’ont connu danseur. C’est mon histoire que je raconte, je ne suis qu’une version.

DG : Cette phrase décrit ta manière de peints « la peinture figurative s'appuie sur les bases de l'histoire de l'art classique, reprenant le mouvement du réalisme avec des œuvres fortement marquées par le bitume au rythme de la cadence du danseur. » Y-a-t-il des artistes classiques, contemporains, modernes ou de toutes sortes qui t’ont influencé plus que d'autres ?

HH : Oui, le peintre David qui a fait Le Sacre de Napoléon, dont son côté réaliste et les détails dans ses peintures qui m’ont beaucoup touché. Les couleurs qu’il utilisait, la profondeur de ses œuvres, ce sont les choses qui m’ont beaucoup influencé. Il y a aussi le peintre Géricault. Par exemple, Il est parti à l'hôpital la Salpêtrière voir les cadavres décomposés pour pouvoir faire ses couleurs dans Le Radeau de la Méduse. Cette recherche des informations et cette manière de faire des recherches m’ont aussi poussé. Même Charles le Braun, le peintre de Louis XIV. Tous ces peintres ont énormément influés mes compétences dans la peinture. Comment faire ressentir des émotions ou du mouvement dans une toile. Il ne fallait pas que je peigne pour peindre. Il fallait raconter une histoire.

Je n'ai pas fait d’école d’art ni histoire de l'art. Quand j’allais au Louvre, j'écoutais les historiens parlaient aux groupes et je comprenais comment faire pour peindre. Il fallait raconter une histoire. J’ai compris la technique aussi. Comment ils ont réussi à faire de velours, de tissus, peindre de tissus en soie. Il fallait que je me document que j’aie chercher des informations sur des techniques de peinture.

Parmi les artistes modernes ou contemporains il y a l’Italien Alessandro Papetti qui peints des immeubles des villes comme Milan et Paris. Il peint dans le vif sans trop de détails dans la vitesse ! Cette manière de peindre m’a aussi beaucoup influencé. Je me suis dit je ne suis pas oblige de faire tous dans les détails.

Les Impressionnistes m’ont fasciné, comme Turner. Lui aussi c'est vraiment la couleur du coucher du soleil, se peindre une toile vite comme si c’était de l’aquarelle. Pour moi, c'était époustouflant !

En termes de graffiti celui qui m’a impressionné est MODE2. Il m'a beaucoup, beaucoup influencé. En band dessine, c’est le créateur Frankin et le personnage Gaston Lagaffe. Ce sont les artistes soit moderne, soit graffeur, soit de BD, soit les peintres anciens qui m’ont influencé de peindre de manière très propre . J’ai gardées tous ces influences toute en mettant mon style.

DG : Comment décris-tu ton style ?

HH : Je n’arrive pas à mettre un nom sur mon style ni à me définir. Les autres peuvent mieux en parler. Quand on parle de picturale on reconnait mon « style. »

J’aime bien ce style un peu impressionniste, ou mélanger un peu deux styles : impressionnistes et des fois un peu de réalisme. Mais je ne veux pas que ce soit défini comme une photo. Sinon autant prenne une photo. Je préfère qu’on reconnaisse bien qu’il y a quelque chose au même temps mais il faut que ce réalisme ne soit pas trop. Il faut qu’il y soit du mouvement et du dynamisme même dans le regard d’un portrait. Il faut qu’il y ait un échange fort avec le spectateur.

DG : Comment as-tu fait la transition de la rue à autant d’activités dans le moule académique : tu es un expert en art urbain et du graffiti sur toile, tu enseignes, tu fais de curation ?

HH : Je suis arrivé à un moment quand des amis danseurs rentraient dans une école d’art pour pouvoir avoir un diplôme. Afin d’avoir son diplôme il fallait qu’un ami, Anthony Benchimol, danseur du crew Division Alpha écrive un mémoire. Il ne sentait pas la force de l’écrire. Il proposait à la directrice de faire un exposée vivant. Il lui a dit je vous ramène des gens qui vont parler à ma place il vont vous parler de ma culture et de leur culture. Il m’avait amené ainsi que Kongo du crew Mac.

Chacun de nous a décrit notre carrière, de ce qu’on fait. La directrice a beaucoup aimé mon discours et elle m’a demandé de rester un mois afin d’enseigner. Elle m’avait demandé d’enseigner les gens sur votre art que nous ne connaissons pas. Cette école formait les futurs galeristes et futurs commissaires d'exposition et ils ne connaissaient pas de tout cette culture.

J’ai décidé de les aider un peu, de donner un coup de main. Je me suis dit je vais rester un mois ou deux. Au bout de 20 mois, la directrice me dit il faut qu’on vous garde parce que ce que vous faites et ce que vous transmettez est très, très bien. En plus, ça va exploser et on va parler beaucoup de cette culture dans l'avenir.

J’étais d’accord. C'était le moment de transmettre. Il fallait savoir que le street art ou le graffiti (on l’appelle comme on veut) n’allait pas rester que dans la rue. Je savais que ça allait exploser, ça allait s’éclore. Au moment qu’elle m’avait demandé, il y avait déjà des écoles comme les Beaux-Arts qui faisait une session street art. Sciences Po faisait également des expos street art dans leurs locaux et des interviews auprès de certains graffeurs.

Il était très important de transmettre même dans un environnement académique. Je n’expliquais pas comme les galeristes qui prenaient un artiste et l’utilisaient comme exemple pour tout décrire. Je commençais avec le hip hop en France : quand et comment c’est arrivé. Le côté social : pourquoi il y a des graffeurs, pourquoi il y a des danseurs, pourquoi tout le monde se connait dans le graffiti. Qu’est-ce qui a poussé les gens dans la rue pour graffer. Comment on graff dans le métro. Comment on fait pour tagguer sur les parois du métro. Je leur ai parlé de tout parce qu’on ne le dit pas.

Je voulais leurs faire vivre ce que j’ai vécu. Il ne fallait que leur raconter mon histoire. J’ai ramené les artistes dans la classe tous ce qu’on voyaient sur YouTube. Les gens qui vivaient cette culture parlaient eux même du street. En plus, ces artistes pouvaient faire des projets avec les gens de l’école et être payés pour ces projets. Ce n'était pas seulement pour les artistes parce qu’ils avaient besoin de projets pour vivre. Tout le monde gagnait.

DG : Avant l’arrivée du Coronavirus, comment tu voyais ton évolution et celle du graff et du street art dans le monde de l’art et dans un monde consommateur ?

HH : Je voyais déjà que par des maths. On était trop mercantile, on parle trop d'argent et pas assez d’art. A une époque aux ventes aux enchères on vendait beaucoup plus d’artistes différents, de styles distincts, on voyait les différences et c’était beau. Avant Corona les ventes aux enchères avaient déjà changés, on allait plus vers des gens qui vendaient très, très cher et qui sont connus dans le monde entier. Ce qui fait que les artistes avait beaucoup de mal à vendre.

Corona a changé la donne et je pense qu'il y aurait de changements vis-à-vis des galeries. C’est-à-dire que, les galeries avaient l’habitude de vendre leurs artistes. On va retrouver des ventes d’œuvres beaucoup plus authentiques moins basé sur le profit. Les gens vont se retourner et voir qu’il y a d’autres artistes qui existent également parce qu’ils n’iront plus aux mêmes galeries avec les mêmes expositions. Il faut aussi que les gens s’ouvrent à cette culture qui est très accessible même en termes de vente. Il y a beaucoup d'artistes qui sont bon et très forts.

HH : On reste bloqué sur les galeries parce que les galeries ont un certain pouvoir. Ils ont de l'argent mais il n’y a pas que ça ! Il y a d’autres valeurs. Il y a pas mal de galeries physiques qui ont chuté. Ils ont gardé des galeries virtuelles. Et ces galeries virtuelles qu’est-ce qu’elle propose ? Les gens qui vendent des œuvres sur Internet sont-ils issus de cette culture urbaine ? Ça n’existe pas. Est-ce qu’on peut aller directement voir un artiste pour acheter ces œuvres ? Est-ce que le collectionneur est obligé d'aller voir une galerie ?

J’ai reçu des appels de gens qui m’ont dit ça fait deux mois que je n'ai pas dépenser de l'argent parce que je voulais avoir un de tes œuvres. Je ne pouvais pas sortir donc j’ai de l’argent. Je vais passer voir si je peux acheter un de tes œuvres. C’est très rapide. Les gens vont aller voir les artistes directement.

Ce que je vois après Corona est malheureux quand même. Je ne me réjouis pas pour les artistes qui perdront leur clientèle, qui ne sont plus en galerie. On est tous artistes, on a tous vécu ce virus et je voudrais que tout le monde puisse en sortir. Mais je m’envieux un peu aux galeries. Certaines connaissent l’histoire de cette culture d’autres non mais ils ne donnent pas la possibilité de s'exprimer. C'est dommage parce que ce monde est trop égoïste. Et sur le coup de Corona ce sera beaucoup mieux pour tout le monde si tout a été redéfini.

HH : L'enseignement sera beaucoup plus accessible qu’avant le virus. On commence à voir des écoles qui s'ouvrent par rapport à la culture hip hop.

On voit très bien qu’il y a des métiers qui n'existent pas. Il faut retrouver tous les métiers de l'art contemporain dans l’art urbain ou la culture urbaine aussi, par exemple : un Expert en Art Urbain. Actuellement quand on parle d’Expert en Art Urbain ce sont des collectionneurs qui sont « experts. » Ce n’est pas parce qu’il collectionne 20 ou 40 œuvres qu’il est expert en art urbain. Les experts sont les gens qui l’ont vécu. Même s’il n’ont pas été peintre. Il y a des métiers comme les avocats spécialisés. Des Agents d'Artistes ? Ça n’existe pas. Les gens qui vendent des œuvres sur Internet sont-ils issus de cette culture urbaine ? Ça n’existe pas. Ou sont des collectionneurs qui ont vécu cet art urbain et qui font sa promotion ? Il y a pas mal de choses à faire.

Justement, ce virus a mis les choses aux claires. On va retourner aux choses basiques. Est-ce qu’il n’y a pas un nouveau marché qui va s’ouvrir? Tout cela était remet en cause. Il y a beaucoup d'espoir . Il ne faut pas pleurer, surtout quand on recommence tout à zéro . On recommence tout ! Pour moi, c'est ça l’avenir. On remets les choses en l’ordre , on a les pieds sur terre.

DG : Je lisais une tribune qui parlait de ce qui pouvait se passer dans le monde de l’art après le COVID. Je l’ai trouvé tellement pessimiste.

HH : Un galeriste va regarder ces collectionneurs et ces murs. Il va dire, il faut que je paie le loyer, il faut que je paie l’électricité, j’ai plein de choses à payer. Il est un marchand. Aujourd'hui, on vient à des choses terre à terre. Allez voir directement les artistes. Le COVID est passé et on n’est plus confiner. Redéfinissons le marché. Les artistes vendront directement leurs œuvres. On aura le prix de l’artiste, ce sera moins cher.

DG : De quoi es-tu le plus fier ?

HH : Mon indépendance au marché. J’arrive à vivre de mon art sans répondre au marché, sans correspondre au marché, sans qu’on me dise il est bon cet artiste, c’est un vrai graffeur. Je ne correspond pas vraiment au graffeur. Je réponds complètement à la culture urbaine. Je suis en pleinement dedans. Je ne suis pas débutant. Ça fait 26 ans que je peints. Peu importe ou on ira on dira lui il connait son domaine. Je peigne à l’huile, je peigne à l'acrylique, je peigne à l'aquarelle, je peigne à la bombe aérosol. Je peints sur tous les supports : je peigne sur mur, je peigne sur toile, je peigne sur les chemises, je peigne sur tout. Je sais fier de mon indépendance.

Le plus important est de faire comprendre que la culture urbaine n’est pas limitée au street art et au graffiti il y a aussi cette culture hip hop. Il faut toujours la mettre devant les yeux. Il faut que les gens comprennent que c’est la culture « hors airs » grâce auquel nous avons tous connu le graffiti. Tout graffeur sait que la culture et le graffiti ne sont pas venue toute seule, ils sont venus avec le hip hop. C’est cette faite que les galeristes et le reste du marché essaient d’étouffer.

Je suis content aujourd’hui parce qu'il y ait beaucoup de jeunes qui sortent des écoles, qui peigne mieux que moi, qui font les graffs plus beaux que les autres. Je suis très content. Il faut que ça continue. Je ne suis pas du style à dire avant c’était mieux. Avant était différent. Aujourd'hui est différent. On a besoin que les jeunes s'approprient tout ça. Pourquoi? Parce que c'est l’avenir. Il faut que les jeunes soient là pour portent le poteau au plus jeunes.

Il faut aussi qu’il ait un nouveau moyen de vente pour que les gens puisse vivre de l’art, que l’art soit plus accessible pour tous et que ce soit un échange ! Pour que tout le monde y gagne, que l’art ne soit pas la chasse gardée seulement pour les riches qu’il y a tout sorte de prix. C’est ce qui est important pour moi.

DG : As-tu participé à peindre ce mur ?

HH : Non je n’ai pas participé. Je connais les artistes. C'est un très beau mur parce que ce sont des personnes très, très talentueuse et très douées. Beaucoup de gens ne comprennent pas la fresque murale et ne savent pas l’expliquer. C’est mieux qu’un artiste explique ce qu’est cet art, le graffiti.

Vous pouvez voir les œuvres murale d’ Henry Hang à Créteil (l’école primaire Sarrazin ; Quai de la Croisette, lac de Créteil ; Mairie de Créteil), Copacabana Rio de Janeiro, Evry, Rouen, Paris 11ème, Paris 20ème. Il faut savoir que les fresques sont parfois éphémères et recouverte.

Vous pouvez aussi apprécier ses réalisations sur son site www.henryhanglabo.com .

Deborah Gallin est la Fondatrice d’Art Works Internationally : Libérez l’inattendu.

Liza Fetissova : La Photographie Comme Point d’Ancrage

Sun, 07 Jun 2020 17:19:01 GMT

Liza Fetissova vous êtes femme, mère, étrangère en France, galeriste.. en quoi toutes ses expériences simultanées influencent votre vision artistique ?

Le plus on est multiple, le plus on est riche en perceptions et réactions.

Je crois que ces « rôles » (je vois cela plus comme un rôle qu’une expérience) me servent doublement. D’un côté, cela me donne de l’ouverture d’esprit, cela élargit mon horizon, et cela nourrit ma réflexion quotidienne d’une sensibilité particulière, multiple, pluridisciplinaire. Et, de l’autre, ce qui vient comme une conséquence de la première influence, c’est que je suis capable de mieux entendre et comprendre l’autre, me mettre à sa place, respecter son point de vue. En tout cas, j’y travaille…

Je pense cette capacité de se multiplier et écouter les voix divers est indispensable pour percevoir, comprendre et vendre l’art.

Pourquoi avoir choisi la photographie ? qu’est ce qui vous touche dans une photographie ?

La photographie est un medium malin. Derrière sa simplicité trompeur (tout le monde peut appuyer sur le bouton, tout le monde est photographe), et son langage plastique accessible, se cachent les possibilités d’interprétations infinies, de la force visuelle renversante, un/des message/s profond/s. Il faut savoir les extraire, en profiter. Cela me séduit, je trouve que la photographie (contrairement à la peinture, un artifice à 100%) explique l’humain et le monde mieux que les autres médiums.

J’en ai besoin physiquement. Encrée dans le réel (je ne parle pas de la photographie conceptuelle ici.. quoique …), elle est une passerelle parfaite qui me lie avec ses sujets le plus directement, ainsi elle me nourrit, mon être le plus profond. Elle me sert de miroir de mon âme… Testez par vous-même!

Ce qui me touche ? Je sens le monde, les feuilles, les êtres trembler, quand je regarde une bonne photo. Je sens leur respiration, leurs doutes, leurs questionnements. La photographie réveille en moi une poète. Elle me donne de la force, elle m’apprend à voir.

Que cherchez à transmettre, à montrer à votre public ?

Je veux que la personne, qui entre pour voir une exposition que j’ai conçue, en ressorte avec une température de corps changée. Que cela lui apprenne quelque chose sur elle-même et/ou sur le monde.

Parlez nous de votre rapport à l’accrochage et les artistes...

La plupart des artistes avec qui je travaille sont loin, presque tous en Russie. Rarement ils sont présents au vernissages de leurs propres expositions – et après le Covid, c’est un mot d’ordre.. Alors, ils me laissent la liberté de présenter leurs œuvres. Et comme on sait qu’une œuvre, dès qu’elle sorte à l’air libre, se retrouve dans un contexte, en voisinage avec les autres œuvres (du même ou d’un autre artiste), dans une salle spécifique devant un public spécifique. Je deviens donc une interprète des œuvres des artistes. Et l’accrochage, c’est un processus magique, qui peut parfois me dépasser et donner un résultat inattendu.

Je sais faire un accrochage classique, que j’appelle « un livre sur le mur » (quand les œuvres, souvent dans une exposition personnelle, sont disposées sans plus, et on pourra voir ses images dans un livre ou sur internet –qu’est-ce que nous apporte un tel accrochage ? ) - mais j’essaie de l’éviter.

J’aime raconter une histoire, créer un récit polyphonique, avec les œuvres, à travers les œuvres. J’aime faire les accrochages serrées, à l’ancienne, les œuvres se parlent, dialoguent, sans se bousculer, mais parfois en contrepoint à l’une l’autre. Ce qui crée de la tension, du questionnement, vous fait voyager plus loin élargit le champ sémantique de chacune et de l’ensemble.

Ma plus grande réussite, c’est l’exposition « De la part de babouchka », très personnelle, ou mes moi (s) de l’étrangère, mère, femme, galeriste se sont mélangés parfaitement, et les œuvres se sont assemblées d’une manière cohérente, invitant le spectateur à se positionner personnellement dans le récit : en savior plus .

Donne libre cours à une opinion, un coup de gueule...

Oh, je peux en donner un certain nombre. Si on parle de mon domaine, cela m’attriste que souvent les marchands qui réussissent le mieux ce sont ceux qui proposent des œuvres plus que médiocres. Je suis en colère de voir ce processus de nivèlement par le bas, général, qui embrasse le monde de l’art. Que ces magasins-galeries vendent de la très mauvaise photographie ou peinture, tape à l’oeil, qui est un tapis sur le mur, à aller avec la couleur des rideaux et la forme de la pièce, et ils appellent ça l’art. Bas les pattes !

Actualité de Liza Fetissova

Exposition photographique : "Je t'aime" d'Antanas Sutkus

56 bd de la Tour-Maubourg 75007 paris | 6 mars — 27 juin | Mardi-Samedi, 14-19h

En voire plus : La Chaîne de Liza Fetissova